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Formatos de pantalla para videoclips

¿Cómo influye el formato de pantalla en la creación de videoclips? Ventajas, inconvenientes y tendencias actuales

Los videoclips son una forma de arte en constante evolución, y uno de los aspectos más importantes en su creación es el formato de pantalla. ¿Alguna vez te has preguntado por qué algunos videoclips llenan toda tu pantalla mientras que otros parecen estar comprimidos en el centro? La elección del formato de pantalla no es solo una cuestión técnica, sino que también está profundamente influenciada por la cultura, la moda y las preferencias del público. En este artículo, exploraremos las diferencias entre los formatos más comunes, sus ventajas e inconvenientes, y las razones por las que los creadores eligen uno u otro.

1. Formato 16:9 (Widescreen): El estándar moderno

El formato 16:9 es el estándar actual para la mayoría de los contenidos de video, incluidos los videoclips. Es el formato que ves en YouTube, televisores modernos y en la mayoría de los dispositivos de pantalla ancha.

Inmersión visual: El 16:9 permite una experiencia más inmersiva, ya que aprovecha mejor el campo de visión humano, que es naturalmente más ancho que alto.
Compatibilidad: Este formato es compatible con la mayoría de las pantallas modernas, lo que significa que el videoclip se verá bien en televisores, monitores y dispositivos móviles sin necesidad de recortes o barras negras.
Versatilidad creativa: El ancho adicional permite a los directores jugar con composiciones visuales más elaboradas, añadiendo profundidad y complejidad a la imagen.
Adopción global: El formato 16:9 se ha convertido en el estándar debido a su adopción masiva en la industria del entretenimiento. Las plataformas como YouTube lo han normalizado, y la audiencia está acostumbrada a consumir contenido en este formato.
Sensación cinematográfica: Muchos directores optan por 16:9 porque se asocia con la calidad cinematográfica, lo que puede dar a los videoclips un aspecto más profesional y pulido.

2. Formato 1:1 (Cuadrado): El rey de las redes sociales

El formato 1:1 ha ganado popularidad gracias a plataformas como Instagram, donde este formato cuadrado es la norma para las publicaciones en el feed.

Optimización para redes sociales: Este formato es perfecto para las redes sociales, donde se ha convertido en el estándar, permitiendo que el contenido se vea uniformemente en dispositivos móviles sin necesidad de rotar la pantalla.
Focalización: La simetría del formato cuadrado dirige automáticamente la atención al centro de la imagen, lo que puede ser útil para videoclips que se centran en el artista o un elemento visual clave.
Facilidad de visualización: En dispositivos móviles, el formato 1:1 ocupa más espacio de pantalla que el 16:9, lo que puede hacer que el contenido sea más impactante y fácil de ver sin desplazarse.
Popularidad en redes sociales: Con el auge de Instagram y otras plataformas centradas en móviles, el formato 1:1 se ha convertido en una tendencia. Los artistas y creadores lo utilizan para asegurar que su contenido se vea perfectamente en estos canales.
Estética minimalista: Este formato también se asocia con una estética más limpia y minimalista, que ha ganado fuerza en la cultura visual contemporánea.

3. Formato Widescreen (21:9 o 2.35:1): La experiencia cinematográfica

El formato widescreen, también conocido como 21:9 o 2.35:1, es un formato más amplio que el 16:9 y es común en el cine. Este formato ha sido adoptado por algunos directores de videoclips para crear una experiencia más cinematográfica y envolvente.

Amplitud visual: El widescreen ofrece una sensación de mayor amplitud y puede hacer que las imágenes se sientan más épicas y cinematográficas. Es ideal para videoclips con paisajes amplios o escenas que buscan impactar visualmente.
Composición artística: La relación de aspecto más amplia permite a los directores jugar con composiciones más detalladas y elaboradas, lo que puede enriquecer el storytelling visual del videoclip.
Impacto emocional: Debido a su uso en cine, este formato puede evocar emociones fuertes, asociándose con una experiencia de visualización más intensa.
Atractivo cinematográfico: Muchos artistas optan por el formato widescreen para darle a sus videoclips un look más cinematográfico, intentando conectar su música con la grandiosidad del cine.
Tendencia hacia lo épico: En la era de las experiencias visuales impactantes, el formato widescreen se ha convertido en una opción para aquellos que desean que sus videoclips no solo se escuchen, sino que también se sientan como grandes producciones cinematográficas.

Conclusión: Elegir el formato correcto para tu videoclip

La elección del formato de pantalla para un videoclip no es solo una decisión técnica, sino también una cuestión artística y estratégica. Cada formato tiene sus propias ventajas y desventajas, y la elección dependerá del objetivo del videoclip, el público al que se dirige y las plataformas en las que se va a distribuir. En una era donde el contenido se consume en una variedad de dispositivos y plataformas, la flexibilidad y la comprensión de estas diferencias pueden marcar la diferencia entre un videoclip que pasa desapercibido y uno que deja una impresión duradera.

Errores Comunes al Crear un Videoclip y Cómo Evitarlos: Lecciones que No Querrás Aprender por las Malas

Crear un videoclip puede ser una experiencia increíblemente emocionante, pero también está lleno de trampas que pueden convertir el proceso en una verdadera pesadilla si no se tiene cuidado. A lo largo de los años, he visto cómo algunos errores comunes pueden arruinar incluso los proyectos más prometedores. Pero no te preocupes, porque hoy te voy a contar cuáles son esos errores.

1. Saltarse la Preproducción: El Error de los Impacientes

Si alguna vez has pensado en saltarte la preproducción para «ahorrar tiempo», detente ahora mismo. Créeme, esto es como construir una casa sin planos: lo más probable es que termine en desastre. La preproducción es donde todo se planea y se organiza para que el día del rodaje sea lo más fluido posible. Saltársela es una receta segura para el caos.

Cómo evitarlo: Hay que dedicar tiempo suficiente para planificar. Crear un storyboard o guión, crea un plan de rodaje, y asegúrarse de que todos los detalles estén cubiertos antes de gritar “¡Acción!”. Recuerda, el tiempo que inviertes en la preproducción es tiempo que te ahorras en el set.

2. No Definir un Concepto Claro ni Crear un Guion: Navegando sin Rumbo

Otro error común es no tener una idea clara de que se quiere lograr en un videoclip y no trabajar en un guion sólido. Sin un concepto bien definido y un guion que guíe las escenas, es fácil perderse en el camino y terminar con un video que no cuenta nada o, peor aún, que cuenta algo completamente diferente a lo que tenías en mente.

Cómo evitarlo: Antes de encender las cámaras, hay que sentarse con el artista y discutir el concepto. Trabajar en un guion que detalle las escenas y el flujo narrativo. Un concepto sólido y un guion bien estructurado son la brújula que guiará todo el proyecto.

3. Ajustar Demasiado el Presupuesto: Cuando Ahorrar Sale Caro

Es fácil caer en la trampa de pensar que gastar lo menos posible es siempre la mejor opción, pero cuidado: un presupuesto demasiado limitado puede comprometer la calidad del videoclip. Usar equipos de baja calidad, recortar en locaciones, o reducir el tiempo de rodaje para ahorrar dinero puede resultar en un producto final que no esté a la altura de lo que el artista y la audiencia esperan.

Cómo evitarlo: Establecer un presupuesto adecuado desde el principio, y utiliza el sentido común para equilibrar la inversión. No se trata de gastar en exceso, sino de invertir en los recursos correctos para garantizar que el videoclip tenga la calidad necesaria. Recuerda, en producción, lo barato a veces sale caro.

4. No Cuidar la Iluminación: El Factor que Todo lo Cambia

La iluminación es uno de esos aspectos que pueden hacer o deshacer un videoclip. No importa cuán talentoso sea el equipo o cuán increíble sea la locación, si la iluminación es deficiente, el resultado final se verá amateur y poco profesional. Muchas veces, no se le da la importancia que merece, y el resultado es un video plano y poco atractivo.

Cómo evitarlo: Invertir tiempo en planificar la iluminación adecuada para cada escena. Considerar cómo la luz afectará el ambiente, el estado de ánimo y la apariencia del artista.

5. Falta de Experiencia: Confiar Demasiado en la Improvisación

Es genial ser ambicioso y querer experimentar con nuevas ideas, pero si no se cuenta con la experiencia suficiente, la improvisación puede ser peligrosa. Un videoclip bien hecho requiere no solo creatividad, sino también habilidades técnicas y conocimiento del proceso de producción.

Cómo evitarlo: La experiencia es clave para tomar decisiones rápidas y efectivas durante el rodaje.

6. Pasar por Alto la Importancia de la Edición: Donde la Magia Ocurre

El trabajo no termina cuando se apagan las cámaras. La edición es donde realmente se forma el videoclip y donde tenemos la oportunidad de pulir el material grabado. Ignorar la importancia de una buena edición o no dedicarle el tiempo necesario puede hacer que un video prometedor pierda su impacto.

Cómo evitarlo: Dedicar tiempo y recursos a la edición. Tener en cuenta la coherencia y el ritmo del videoclip. No apresurarse en esta etapa; a menudo, es donde se marcan las diferencias entre un buen videoclip y uno excelente.

En resumen, hacer un videoclip es una mezcla de creatividad, organización y buen juicio. Evitar estos errores comunes nos ayudará a mantener el proyecto en curso y a crear un videoclip que no solo sea visualmente atractivo, sino también profesional y pulido.

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La importancia de los guiones en los videoclips

Todos damos por hecho lo importante que es contar con una buena cámara de cine, una buena iluminación, una localización espectacular , así como el talento de un buen director y su equipo.

Pero a veces se pasa por alto que, como en toda obra audiovisual, el guión es la madre y la esencia de todo videoclip.

El guión (un buen guión) le dará personalidad, profundidad y la creatividad que hará que un videoclip pase de ser un video que se vea bonito a que sea un videoclip especial y único.

Cuando desarrollamos el guión, ya sea en la comodidad de nuestra oficina o dando un paseo por la playa, ya sea en soledad (escuchando una y otra vez la canción) o en una sesión de brainstorming con el músico, las ideas aparecen, se suceden, se entremezclan y poco a poco van tomando forma. Algunas ideas se descartan, otras se modifican y otras simplemente, por geniales, quedan como definitivas.

Pero ese momento de creación previo al rodaje es fundamental, ya que si bien es cierto que en rodaje también pueden aparecer buenas ideas o improvisaciones sorprendentes, la tranquilidad y espacio temporal que se dispone en al fase de guión no se podrá repetir en rodaje, donde las prisas, el estrés y los aspectos técnicos ocupan demasiado tiempo.

Y, cualquier puede hacer un guión? En principio si, claro, cualquiera con un poco de imaginación puede pensar ideas interesantes y desarrollar un guión para un videoclip… ahora bien, la experiencia es un grado importante. Un profesional que se pasa la vida escribiendo guiones, tendrá esta habilidad mucho más desarrollada, aportando una visión más sofisticada y profunda. Además, el profesional conoce a la perfección el lenguaje audiovisual, y esto es algo imprescindible para traducir las ideas a algo filmable.

Cuando un profesional escribe un guión para videoclip, tambien tiene en cuenta cuestiones de producción y presupuesto. Es importante tener ideas y escribir guiones que se puedan rodar de forma eficiente, clara y atractiva.

El profesional debe entender al músico, interiorizar la canción y pensar en el videoclip de forma creativa, pero tambien de forma empresarial. Un videoclip es la mejor herramienta de marketing que disponen actualmente los artistas, y para ello es importante que el videoclip, y su guión, estén creados pensando en la experiencia del futuro publico.

En definitiva, crear el guión para un videoclip es una exquisita mezcla entre hacer arte y publicidad. Cine adaptado a la música, para atrapar al espectador y crear comunidad.

En nuestra productora, MusicVideos by Manuel Mira, nos encargamos de todo el proceso creativo y de guión para realizar nuestros videoclips.

Color grading con IA

En la edición de videoclips musicales, el ajuste de color o “color grading” es una parte muy importante del proceso, para conseguir una estética interesante y fiel a lo que se buscaba en el momento de la grabación y el planteamiento original del videoclip.

Existes muchas herramientas para editar el color de un video, pasando por las potentes funciones de Davinci Resolve o el propio After Effects de Adobe, pero sin dudas un software eficiente y práctico para editar color es el propio Adobe Premiere, que dispone de herramientas profesionales y sofisticadas para la coloración de todo tipo de videos.

Se use la app que se use, pensamos que es adecuado realizar el color grading desde la misma plataforma con la que hemos editado el video, para facilitar la operatividad, los cambios que puedan surgir en todo el proceso de post-producción y ser mucho más eficaces.

En MusicVideos by Manuel Mira nos gusta editar con Adobe Premiere, ya que es líder en el sector desde hace muchos años, y sus mejoras son constantes. La integración con las demás apps de Adobe (Photoshop, after effects…) hace que Premiere sea una solución muy potente.

Y es que ahora, las nuevas versiones de Premiere incorpora nuevas funcionalidades, basadas en IA, muy atractivas que facilitan el proceso y lo hacen más rápido y con resultados mucho más interesantes.

En este articulo os queremos hablar del nuevo ajuste de color de Premiere por “vista de comparación”. Esta nueva funcionalidad nos ha encantado y la estamos usando para colorear todos nuestros videoclips.

Os mostramos como lo hacemos:

Para usar esta herramienta, debemos utilizar una imagen (o foto) de referencia. Esta imagen (en mi caso suelo usar mucho Pinterest) será nuestra inspiración. Algo así como la estética de color que queremos.

En la pestaña “color lumetri” nos vamos a “coincidencia y ruedas de color”. Despues clicamos en “vista de comparación”.

En el monitor de visualización tendremos la imagen de referencia (a la izquierda) y nuestro plano a colorear (a la derecha).

Le damos a “aplicar” (y opcionalmente a “detección de cara”). Automáticamente premiere analizará ambas imágenes y nos aplicará el color de la imagen de referencia a nuestra imagen.

Si no nos encaja, podemos mover las ruedas de color para acabar de ajustar libremente la imagen a lo deseado.

Seguidamente procedemos a ajustar los parámetros básicos de la corrección, (luminosidad, contraste, temperatura, etc)

Y listo, tendremos un corrección de color de nuestro plano, basado en la imagen de referencia.

Sin dudas esta herramienta agiliza muchísimo el color grading y nos garantiza tener una estética interesante basada en inspiraciones, referencias o imágenes que nos motiven.

Por supuesto sigue siendo fundamental un ajuste manual y personalizado, pero con esta herramienta de coincidencia, tenemos mucho ganado.

Productora de videoclips

Me gustaría explicarte como vamos a hacer ese videoclip que estas necesitando.

Antes que nada, déjame que me presente.

Soy Manuel Mira, director de videoclips musicales. Hasta la fecha he creado más de 250 videoclips para artistas muy variados, de todos los géneros musicales y de diferentes niveles. Por ejemplo he trabajado para artistas tan conocidos como Nino Vargas, Mariona Escoda, Gerard Quintana, el niño de la Hipoteca o Dyango. Pero también he realizado muchísimos videoclips para artistas que, aunque quizás no sean reconocidos actualmente, luchan para conseguirlo algún día.

También he creado reportajes para televisión, anuncios publicitarios de nivel nacional, documentales e incluso llegué a crear 3 películas, de las cuales, la última titulada “género”, llegó a tener más de 24 millones de visualizaciones en youtube y ganar 17 premios y nominaciones en festivales de cine.

Después de toda esta experiencia adquirida, creo que he conseguido un equilibrio excelente de relación calidad-precio, obteniendo resultados de alto nivel independientemente de los medios que disponga.

Fruto de esta experiencia, se me ocurrió segmentar los videoclips que realizo en 3 niveles.

Iniciación, Intermedio y Avanzado. Te explico:

El videoclip de iniciación es ideal para artistas que están empezando su carrera musical. Una opción sencilla pero creativa, para arrancar con buen pié la carrera por el éxito artístico.

El video musical intermedio es una buena opción para artistas o grupos con experiencia y trayectoria musical, que se encuentran en plena expansión y necesitan un empuje a su carrera. Una apuesta de calidad para crecer dentro de la industria.

El videoclip avanzado es la mejor alternativa para artistas consolidados y con reconocimiento profesional, que están buscando un producto acorde a su nivel, con el toque creativo y sensible que nuestro equipo puede ofrecer.

Creo que de esta forma es fácil que cada artista se identifique con el tipo de videoclip que necesita y por ende, con el nivel de producción y costes que podrá asumir.

Pero es importante destacar que independientemente del tipo de videoclip que realice o del tipo de presupuesto que hagamos, hay algunas cosas que voy a ofrecer siempre, como por ejemplo:

Mi creatividad, mi profesionalidad, mi experiencia y, por si fuera poco, mi compromiso de dar lo mejor de mí en cada situación.

Pienso que el compromiso es importante. En cualquier producción pueden salir imprevistos, o situaciones complicadas que requieran soluciones. Y creedme que os digo que no me iría a dormir tranquilo si después de una jornada de rodaje siento que no he dado lo mejor de mí.

Y ese compromiso se extiende a toda la producción, no solo al rodaje. Desde la primera reunión, pasando por la fase de creación del guión o producción, e incluso en el montaje final, siempre intento mantenerme cercano al artista y acompañarle en este viaje tan importante para él.

En MusicVideos by Manuel Mira nos podemos encargar de todo. Analizamos la trayectoria y perfil del artista, creamos un guión original, buscamos actores, modelos o bailarines, así como localizaciones, atrezzos o cualquier cosa que haga falta para rodar. Según el proyecto también solemos contar con maquilladora y estilista. Un buen montaje es fundamental, incluyendo un etalonaje profesional e incluso la creación de efectos especiales digitales. Por ejemplo, te confieso que recientemente me estoy adentrando en el mundo de la inteligencia artificial adaptada para video, y es fascinante lo que estamos consiguiendo.

Me gustaría acompañarte en tu carrera por el éxito musical. Juntos lo conseguiremos.

Revolucionando la Creatividad: Explorando los Videoclips Generados por Inteligencia Artificial

La generación de videoclips con inteligencia artificial está en pleno proceso de transformación de la industria musical y audiovisual. Si bien estamos en una fase temprana de esta evolución, es innegable que la IA está desempeñando un papel fundamental al impulsar la creatividad y abrir nuevas posibilidades artísticas. Los videoclips generados por IA ofrecen una forma única de experimentación, permitiendo a los artistas expandir sus horizontes y cautivar a las audiencias de maneras innovadoras.

Sin embargo, es esencial abordar los desafíos éticos y prácticos que acompañan a esta revolución. La coexistencia armoniosa entre la creatividad humana y la potencia de la IA requerirá un equilibrio delicado. La industria debe considerar cómo mantener la autenticidad artística mientras aprovecha el poder de la tecnología. Además, es importante encontrar formas de proteger los derechos de los creadores y colaboradores en este nuevo paradigma creativo.

En última instancia, la generación de videoclips con inteligencia artificial representa una emocionante evolución en la forma en que concebimos la música y la imagen. A medida que continuamos explorando y experimentando, es vital que mantengamos una conversación abierta y constante sobre cómo la IA puede enriquecer y desafiar nuestra creatividad, siempre recordando que, en última instancia, es la unión entre la mente humana y la inteligencia artificial lo que puede producir las experiencias más impactantes y significativas para las generaciones venideras.

En MusicVideos by Manuel Mira estamos explorando las nuevas herramientas de IA para aplicar a nuestros videoclips.

Descubriendo los Orígenes: ¿Quién Inventó los Videoclips?

Desde su humilde inicio hasta convertirse en una parte integral de la industria musical y del entretenimiento, los videoclips han recorrido un largo camino. Estas mini obras maestras visuales no solo acompañan a las canciones, sino que también cuentan historias, establecen tendencias y permiten a los artistas expresar su creatividad de maneras únicas. Pero, ¿alguna vez te has preguntado quién inventó los videoclips? Sumérgete en un fascinante viaje a través del tiempo mientras exploramos los orígenes de esta forma artística y multimedia.

Los Años de Precursor: Los Inicios Experimentales

Si bien los videoclips tal como los conocemos hoy en día comenzaron a ganar popularidad en la década de 1980, sus raíces se remontan mucho más atrás en el tiempo. Las primeras incursiones en la combinación de música y video se dieron en la década de 1920. En esta época, los artistas experimentaron con películas cortas que sincronizaban música con imágenes en movimiento. Estas películas musicales tempranas no eran necesariamente lo que consideraríamos videoclips en la actualidad, pero sentaron las bases para lo que vendría después.

El Impacto de la Televisión

La televisión tuvo un papel crucial en la evolución de los videoclips. En la década de 1950, con la creciente popularidad de la televisión en los hogares, las bandas y los artistas comenzaron a ver oportunidades para presentar sus canciones a una audiencia más amplia. En ese entonces, se crearon segmentos cortos de video que presentaban a los artistas interpretando sus canciones en programas de variedades y programas musicales.

Sin embargo, el punto de inflexión real llegó en la década de 1960 con el surgimiento de artistas como The Beatles. Aprovechando la creciente influencia de la televisión, The Beatles crearon algunos de los primeros videoclips promocionales para acompañar sus canciones. Estos videoclips permitieron a la banda llegar a audiencias más allá de sus conciertos en vivo y contribuyeron al fenómeno conocido como la «Beatlemanía». Aunque estos primeros videoclips eran bastante sencillos en comparación con los estándares actuales, sentaron las bases para la futura evolución del formato.

La Era Dorada de los Años 80

A pesar de los experimentos y los avances anteriores, la verdadera explosión de los videoclips se produjo en la década de 1980. La aparición de MTV (Music Television) en 1981 cambió por completo la forma en que se consumía la música. MTV se dedicó a la transmisión constante de videoclips musicales las 24 horas del día, los 7 días de la semana, lo que catapultó a los artistas y a sus videoclips a la corriente principal de la cultura pop.

Videoclips icónicos de artistas como Michael Jackson con «Thriller» y Madonna con «Like a Virgin» no solo se convirtieron en éxitos musicales, sino que también establecieron nuevos estándares para la producción visual y narrativa. Los videoclips dejaron de ser simplemente actuaciones en vivo filmadas para convertirse en historias completas con una estética visual única.

Conclusión: Un Legado en Evolución

Entonces, ¿quién inventó realmente los videoclips? No hay una única respuesta definitiva, ya que los videoclips evolucionaron gradualmente a lo largo del tiempo a partir de una serie de influencias y experimentos. Desde los primeros intentos de sincronización de música y video en la década de 1920 hasta la revolución de MTV en los años 80, los videoclips han recorrido un camino fascinante y lleno de creatividad.

Hoy en día, los videoclips continúan evolucionando con los avances tecnológicos y la creciente presencia de plataformas en línea. Artistas y directores siguen explorando nuevas formas de contar historias y expresar ideas a través de estas piezas visuales, manteniendo viva la tradición de los videoclips mientras llevan la narración audiovisual a nuevos horizontes emocionantes.

Si estas buscando una productora para desarrollar tu próximo videoclips, puedes contar con nuestro equipo de MusicVideos by Manuel Mira

La mejor cámara para videoclips

Hace poco adquirimos nueva cámara de cine. Pero no se trata de una cámara cualquiera, sino de la que (para mi gusto) es la mejor cámara del mercado para filmar videoclips musicales: La Red komodo 6k.

Si, 6k. En un anterior post estuvimos explicando largo y tendido sobre lo sobrevalorado que está el 4k. Y ahora os digo con orgullo que nuestra cámara graba a 6k… la vida está llena de contradicciones maravillosas… pero fuera bromas y aunque los 6k de la red no es la característica más importante para mi de esta cámara, si es un elemento interesante que llama la atención. Así que 6.000 pixeles horizontales llenos de ilusión y magia.

Especificaciones técnicas:

Un resumen de las especificaciones técnicas más destacables de la Red Komodo 6k, cámara ideal para videoclips:

Sensor KOMODO 19.9 MP SUPER 35MM GLOBAL SHUTTER CMOS.
Píxeles efectivos 6144 X 3240.
Tamaño del sensor 27.03 MM X 14.26mm (DIAGONAL: 30.56mm)
Rango dinámico 16+ stops.
Montura RF.
Resolución 6K.
Formato de grabación REDCODE RAW.
Peso: 0,95 kg.

Y aquí podréis encontrar la web oficial de Red donde explica con más amor y detalle de que vá esta cámara.

Mis puntos destacados (qué me gusta a mí de la Red Komodo 6k)

Grabación en RAW nativo. Un mundo de posibilidades de ajustes de color y etalonaje en post-producción. “Querer es poder, pero si quieres con RAW, aún podrás más”
Equilibrio de color. El color característico de RED es francamente orgásmico. Red Komodo ofrece de forma nativa un color muy orgánico y natural.
Garantía RED. Desde que empecé a hacer cortometrajes amateur, y también muchos años después ya de profesional, siempre soñé con rodar y tener una cámara RED. Pero esto ha sido algo inalcanzable para mí, debido a su elevado precio. Pero a cada cerdo le llega su San Martín y finalmente puedo alardear de rodar mis videoclips con una cámara Red de última generación, gracias en parte a este modelo de vanguardia de la marca del punto rojo, que ha conseguido un cuerpo de alta calidad pero a un precio más asequible para un filmmaker o una productora pequeña.

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Cuanto cuesta un videoclip?

Una de las preguntas más habituales (sino la primera) que recibimos cada vez que nos llega una consulta de información de creación de videoclip, es esta:

“Que precio tiene hacer un videoclip?”

Sin dudas es un factor importante que los artistas musicales tienen en mente a la hora de encargar la producción de un video musical.

Y es que en el sector encontramos un abanico muy amplio de opciones económicas y entendemos que no es fácil para un grupo o un artista hacerse una idea de antemano.

Además, la mayoría de artistas sufren en precario una industria musical muy desigual, que en muchas ocasiones les obliga a “autofinanciarse”, es decir, a pagarse de su propio bolsillo el videoclip.

A diferencia de lo que muchos clientes nuestros creen de antemano, no es sensato disponer de “tarifas” o precios fijos para todos los videoclips, ya que cada proyecto es único y por tanto necesita un presupuesto único. Si bien hay algunos factores más o menos fijos y que no suelen variar de un videoclip a otro, hay otros factores que son totalmente especiales y habrá que estudiarlos en cada ocasión.

A groso modo, las variantes que pueden afectar al precio final, son elementos tan flexibles como la contratación de actores o modelos, el alquiler de localizaciones o espacios donde rodar, el vestuario, elementos de arte (decorados, atrezzos, etc) o incluso el uso de efectos especiales.

Pero vamos a ver paso a paso los elementos más habituales y como pueden afectar al presupuesto:

PRE-PRODUCCIÓN

Guión. Ya sea la elaboración de
un guión narrativo, conceptual o de perfomance, el desarrollo
creativo o de guión es un elemento habitual (o necesario) en toda
creación audiovisual. Realizar un guión interesante requiere horas
de trabajo, y por tanto es necesario contabilizar esta partida como
un elemento habitual en los presupuestos.
Además, tener el guión listo nos
permitirá conocer realmente que elementos serán necesarios o no
para crear el video y poder así avanzar en el presupuesto.
Casting actores/modelos. Se puede
encargar esta partida a una agencia externa, o se puede realizar una
casting interno para un proyecto más pequeño. En cualquier caso,
un casting tiene un coste, y dependerá de la cantidad de
actores/modelos/bailarinas que deseemos o la calidad de los mismos.
Por supuesto habrá que remunerar a los actores o modelos con los
que trabajemos , y que por tanto afectará notablemente al precio.
Vestuario, arte y localizaciones.
En un proyecto grande es necesario contar con la experiencia de un
director de arte que pueda encargarse de la búsqueda de atrezzos,
decorados, el vestuario e incluso las localizaciones. En un proyecto
pequeño se puede realizar esta tarea a nivel interno. En ambos
casos consume horas de trabajo que hay que contabilizar. Y por
supuesto son elementos que habrá que alquilar o alquiler para el
rodaje, y que por tanto afectarán notablemente al precio.

PRODUCCIÓN

Horas o jornadas de rodaje. El
tiempo es oro, así que a más horas de rodaje, tendrá un coste más
elevado. Normalmente 1 jornada de 8 o 9 horas es suficiente para la
mayoría de proyectos, pero el guión nos determinará si es
necesario más o menos. El rodajes es la parte más relevante de la
producción audiovisual, así que la mayor parte del coste del
videoclip dependerá del rodaje.
Medios técnicos (cámara, luces,
soportes de cámara, etc). Por defecto nosotros solemos rodar con un
equipo muy completo compuesto por cámara de cine 4.6k, iluminación
LED, steadycam, grua y travelling….pero según el proyecto puede
que se necesiten algunos elementos más (drone, carcasas acuáticas,
cámara car, máquina de humo, etc).

POST-PRODUCCIÓN

Edición. Color Grading. No hay
videoclip sin un buen montaje. Afortunadamente esta partida es mucho
más fácil de valorar a priori y por tanto es viable estipular un
precio más o menos habitual de edición. No obstante una vez
tengamos el guión, podremos valorar realmente si la edición
necesitará una dedicación especial o no.
Efectos especiales, animación….
En ocasiones se cae en el error de pensar que un videoclip realizado
con muchos FX o incluso 100% con animación es más
económico….pero nada más lejos de la realidad. La creación de
efectos digitales o de animación 2D o 3D requiere la colaboración
con profesionales muy especializados que encarecerán notablemente
el precio final. Un toque digital puede darle mucha vida al video,
pero siempre haciendo un uso inteligente, para no comprometer todo
el video a esta partida.

Como podéis ver, hay muchos elementos a tener en cuenta y que pueden variar el precio final, el cual será solo posible valorar con detalle una vez se tenga el guión elaborado. Antes, solo se pueden realizar estimados.

En MusicVideos by Manuel Mira pensamos que es posible realizar videoclips económicos sin perder la calidad final deseada, y para ello es necesario poner en práctica la experiencia adquirida tras más de 300 videoclips realizados.

VIDEOLYRICS a DOMICILIO :)

Son momentos difíciles de confinamiento. Pero no podemos parar de crear, pensar y prosperar en nuestras carreras.

Si la música es tu arte, tener un videolyric de tu última canción es una opción genial para promocionarte mientras todos están en casa consumiendo videos de YOUTUBE.

Nosotros podemos hacer tu videolyric sin que salgas de casa y a un precio muy especial.

Ponte en contacto con nosotros por teléfono /tambien whastapp/ o mail y te explicaremos como.

Somos una productora especializada en la creación integral de videoclips y también de VIDEOLYRICS, adaptándonos a las necesidades creativas y presupuestarias de cada artista.

Pídenos info y precio sin compromiso.

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URSA MINI 4.6k

¿Has oído hablar de la cámara URSA mini 4.6k? Si has oído hablar de ella, ya sabrás que es una apuesta muy firme de BlackMagic para competir con Red o Arri. Si no has oído aún hablar de ella deberías ponerte al día… y te explicamos porqué:

Cuando BlackMagic sacó su novedosa Cine BlackMagic 2.5k, el mercado audiovisual quedó rápidamente prendado por la magia de su impresionante sensor y su sensibilidad cinematográfica, al alcance de casi cualquier bolsillo.

Pero muchos usuarios de esta cámara notaron enseguida que, a pesar de ser una cámara estupenda, no era una cámara perfecta. Y es que presentaba algunas limitaciones técnicas y operativas. Estas limitaciones ha lastrado la Cine BlackMagic 2.5k y frustrado a algunos potenciales compradores.

Pero con la URSA mini 4.6k, BlackMagic ha vuelto a ponerse como abanderada de la innovación, y se mete, directamente, en las ligas de las más grandes y potentes cámaras de cine digital, compitiendo con la mismísima RED EPIC o la prestigiosa ALEXA.

Muchas son las características de esta super cámara de cine, pero hagamos un rápido repaso a sus ventajas más interesantes:

Sensor de 35mm . Bastante grande como para captar más luz y más nitidez
Captación en 4.6k. No te vas a acabar su resolución
SlowMotion hasta 120 fps (en 2k). pff! ¡Esto nos encanta!
15 stops de rango dinámico. Eso si es sensibilidad…
2 entradas de audio XLR y alimentación phantom. Toma el control del sonido…
Múltiples salidas y conexiones de video y audio.
Forma ergonómica.
Grabación en modo vídeo con colores nítidos y preciosos, o modo FILM para una Pos-Po profesional al detalle.

En definitiva, una cine cámara ideal tanto para proyectos cinematográficos exigentes y de alta producción, como para vídeos sencillos donde se requiera versatilidad y rapidez.

Sin dudas, la mejor cámara del mercado para la realización de videoclips musicales profesionales.

Y como una imagen vale más que mil palabras, aquí tenéis nuestra propia review donde explicamos las bondades de la URSA mini 4.6k.

En nuestra productora hemos adquirido recientemente una unidad de URSA mini 4.6k, con la que esperamos hacer un montón de videoclips musicales.

Nos vemos !

9 Videoclips rodados en Barcelona

Que Barcelona es una ciudad preciosa, seguramente estaremos todos de acuerdo. Pero es que además de bonita, Barcelona es un auténtico plató, donde se ruedan cantidades ingentes de videoclips, anuncios de televisión y películas.

Sin dudas, Barcelona es un de los destinos de Europa donde más rodajes podemos encontrar por las calles.

Esto es debido a varios factores, como el buen clima que disfrutamos todo el año, la cantidad de espacios interesantes que hay para rodar (y de todo tipo), la seguridad, la profesionalidad del sector, la cercanía a otras ciudades importantes (como Londres o Berlin), etc.

A continuación, os presentamos una selección de 9 videoclips destacados que se han rodado en las calles de Barcelona o cercanías:

1. Kylie Minogue – Slow

Uno de mis favoritos de Kylie Minogue. Rodado íntegramente en la piscina Picornell, el inicio del video nos brinda una preciosa panorámica de la ciudad condal.

2. Shakira – Loca

Sin dudas el nombre de Shakira está ya irremediablemente asociado a Barcelona, y ya son muchos los videos de la artista Colombiana rodados entre el Besos y el Llobregat.

3. Pac Sherhag – Show Me Your Love

Dj Suizo ha confiado en varias ocasiones con la ciudad condal para rodar sus videoclips.

En este caso nos deja con su Show Me Your Love, rodado por nuestra productora

4. Natalie Imbruglia – Big Mistake

La artista Australiana se pasea por el PobleNou en este temazo.

5. Evanescence – My Immortal

Evanescence escogió el barrio gótico de Barcelona, sus estrechas calles y sobre todo la plaza de San Felipe Neri para poner imagen a uno de los hits más exitosos de la música dance.

6. Pac Sherhag feat Patrick Miller – There is a party

Otro videoclip de Pascal Sherhag, en colaboración con el rapper Patrick Miller, se soltaron por la ciudad bajo la batuta de nuestra productora de videoclips. Videoclip por tierra, mar y aire…

7. U2 – Vértigo

En este caso no se trata de Barcelona ciudad, sino del delta del Ebro (costa dorada), pero no podíamos no incluir este super hit de la mítica banda.

8. Enigma – Out from the deep

Este grupo de Pop no vivo hasta la ciudad para rodar sus escenas…pero creó unos surrealistas paisajes digitales reflejo de la Sagrada Familia o el parque Güell

9. Cristian Corona ft. Tom Damage

Temazo dance producido por Clamore Records. Rodado en sitios tan míticos de Barcelona como la sala de teatro Llantiol, el passeig de Sant Joan, diagonal mar o las calles de Gracia.

Nuevamente, fue nuestra productora la que inmortalizó este videoclip.

¿y a tí? ¿Donde te gustaría rodar tu videoclip?

Soportes de cámara. 4 (de 4). VARIOS. OTROS.

En toda grabación audiovisual (y por supuesto en los videoclips) se requiere unos soportes de cámara, que no son otra cosa que artilugios mecánicos o eléctricos donde “anclar” la cámara y que sirven para sostener la misma, así como para otorgarle una serie de movimientos.

En el mercado profesional podemos encontrar un abanico muy amplio de tipos de estos soportes.

En anteriores artículos de Mundo Videoclip hemos repasado la Steadycam, la grua y el travelling. Pero cada día aparecen nuevos ingenios adaptados a las nuevas necesidades y tipos de cámara posibles. Por eso, para cerrar este especial de soportes de cámara de mundo videoclip, vamos a hacer un repaso de los otros sistemas de soporte, muy usados actualmente en la grabación de videoclips musicales.

DRONE.

Ya hicimos un especial en Mundo Videoclip de estos artefactos que están tan de moda.

Con los drones podemos conseguir imágenes espectaculares y colocar la cámara en lugares y ángulos imposibles de otra forma.

HOMBRERA

La hombrera es algo tan sencillo como un simple soporte para la cámara que permite sujetar la misma sobre el hombre del operador. La hombrera no genera mucha estabilidad (en comparación a la steadycam), pero suaviza la imagen un poco y aporta al operador un control ergonómico de la cámara.

TRÍPODE

El más clásico, fácil, usado y económico de los soportes de cámara. Un básico que no puede faltar en cualquier producción. No aporta nada especial a la producción, pero en ocasiones “menos es más”

Pero los soportes no terminan aquí. Cada día se inventan nuevos soportes, accesorios e ingenios para rodar los videoclips con calidad cine. Cacharros para todos los bolsillos, gustos y necesidades, como puede ser el SPIDER, el WATERPROOF, las DOLLY, etc.

Como siempre, confía en los profesionales.

Soportes de cámara. 1 (de 4). LA STEADYCAM

En el mercado profesional podemos encontrar un abanico muy amplio de tipos de estos soportes, y cada día aparecen nuevos ingenios adaptados a las nuevas necesidades y tipos de cámara posibles.

En MundoVideoclip vamos a repasar los más importantes.

STEADYCAM

Según la definición de Wikipedia, La “Steadicam es el nombre comercial del primer estabilizador de cámara, consistente en un sistema de suspensión y brazo recto con soporte para la cámara y sistema de contrapesos, el que se puede complementar con un brazo isoelástico adosado a un chaleco o body como se le conoce para aumentar el tiempo de utilización en tomas largas, ya que el peso se traslada de los brazos del operador a las caderas del mismo. El sistema permite llevar la cámara de cine o televisión atada al cuerpo del operador de cámara mediante un arnés. Compensa los movimientos del operador, mostrando imágenes similares al punto de vista subjetivo del personaje”

Con la steadycam se pueden conseguir movimientos horizontales con cierta libertad, donde el operador puede moverse a su antojo por el espacio, e incluso subir escaleras o desniveles.

La steady absorbe las vibraciones y los movimientos bruscos, devolviendo una sensación de “flotabilidad”.

Desde los 80, la steadycam se ha utilizado mucho en cine, pero también en TV o en videoclips.

Con la aparición de videocámaras más ligeras, también aparecieron steadys más ligeras y económicas.

Actualmente existen muchos tipos de steadycam y muchas variantes técnicas, como ejemplo el GIMBAL de 3 ejes, donde el tipo de movimiento y uso es muy similar a la steady convencional, pero basa su estabilidad en un sistema de pequeños motores eléctricos, a diferencia de la steady de siempre, que usa un sistema mecánico.

El manejo de la steady requiere una habilidad especial y bastante experiencia, y suele ser operada por profesionales especializados.

PROS: Sistema rápido y económico de estabilizar una cámara. Aporta mucha libertad.

CONTRAS: Requiere habilidad. Aunque genera estabilidad, los movimientos no son tan precisos como con otros soportes.

¿VIDEOCLIPS EN 4K? 5 puntos clave para que no te tomen el pelo.

La tecnologia avanza día a día, y cada vez son más las cámaras de video profesionales o domésticas que permiten grabar en 4K. Incluso muchos dispositivos móviles permiten grabar (teoricamente) a estas resoluciones, pero, ¿realmente el 4K es el formato ideal para un videoclip hoy en día?

Primero de todo, explicar que vídeo 4k se refiere a que contiene una resolución cercana a los 4.000 pixeles horizontales (por unos 2.000 o 2.500 pixeles verticales), frente al fullHD que se refiere a 1.920 pixeles horizontales por 1.080 verticales.

Viendo esto parece evidente que 4k es mejor que otras resoluciones inferiores, pero la realidad es que hay otros factores técnicos en un vídeo que son más relevantes para la calidad, nitidez y definición final del vídeo.

A continuación, 5 puntos clave que nos harán cuestionarnos la importancia del 4k

La compresión.

Todo formato de vídeo contiene una compresión. Esta puede ser muy alta, normal o baja. De nada sirve tener 4.000 pixeles teoricos si contamos con una compresión muy alta. La calidad visual de ese video 4k podria ser mucho menor que un video grabado a 1k (cerca de 1.000 pixeles horizontales) pero con baja compresión.

Las cámaras domésticas, los moviles, e incluso las cámaras de acción (tipo GoPRO) suelen grabar con compresiones muy altas, por falta de bufer. Y el resultado dista mucho de una calidad óptima.

El escalado

Algunas cámaras domésticas (incluyendo moviles) o semiprofesionales “venden” un 4k que en realidad es mucho menos. Mediante un sofware incorporado algunas cámaras pueden grabar en HD convencional o 2K, e “inflar” los pixeles que faltan con un algoritmo muy sofisticado hasta completar los supuestos 4K. Y aunque la sensación final es de una resolución mayor que el HD, queda lejos de un 4K real, con sus 4.000 píxeles por bandera…

El rango dinámico, la luminancia, y la sensibiliad de la cámara.

Hay otros aspectos técnicos relacionados con el sensor de la cámara y el hardware/sofware que la acompaña, que son mucho más relevantes para la calidad final del video.

La capacidad de discernir los claros/oscuros, las tonalidades de color, la capacidad lumínica, el contraste, etc, son elementos fundamentales en la capción de imagen, y que muchas veces son la clave que diferencian un vídeo profesional y de calidad, de uno que no lo és.

La emisión y consumo

Aunque cada vez hay más dispositivos que pueden “ver” en 4K, en España aún estamos lejos de tener el 4k normalizado en nuestros hogares.

Quizas eres afortunado y has podido comprarte ese flamante televisor de ultima generación del mediamark, abanderado por su 4k… pero lamento decirte que seguramente tu TV no tendrá 4K reales (recuerda el escalado de la grabación), y te han colado más pixeles de los que realmente vas a poder ver…

Pero eso no es lo más destacable…

Cuando coloques el TV 4K en tu salón, conectes la antena e intentes ver la tele convencional, te darás cuenta que en España no hay canales de televisión que emitan en 4k. Hay algunos canales que emiten en HD (no hablamos de fullHD) y la mayoria emiten en…..SP !! (720×576). Es decir, la misma resolución digital desde la aparición del TDT, y practicamente la misma resolución que la antigua tele analógica con la que tus padres (o abuelos) pudieron ver la llegada del hombre a la luna… Asi que salvo que te vayas a Japón, no vas a poder ver tu partido de futbol en 4k, hasta dentro de unos años.

Si tu eres más de internet y decides exprimir online tu smartTV… enhorabuena! En youtube (por ejemplo) podras disfrutar de algo parecido a 4k…pero que seguirá siendo un formato comprimido (mucho) y escalado (notablemente). Y además, salvo que tengas un buen WIFI, vas a dejar sin internet a toda tu familia.

Es decir, aunque algunos dispositivos permiten ver en 4K, la mayoria de contenidos, asi como las redes, no se ofrecen en 4K.

Y por supuesto, la iluminación, la profesionalidad, las ópticas, la edición…

La calidad y nitidez de la imagen no dependen unicamente del sensor (y mucho menos de la resolución). Aspectos tan importantes como un buen guión, buenos actores, buena ilumación, buenos movimientos de cámara, un buen sonido!!!, una edición correcta, buen tratamiento del color, etc… son tan relevantes, que delegan la importancia de la resolución a un plano casi anecdótico.

CONCLUSIÓN. Las compañias que fabrican y venden camaras, teles, etc, están muy interesadas en generar necesidades de consumo constante. Están “obligadas” a ofrecer novedades y avances todo el tiempo, para que sientas la tentación de “actualizarte”. Y muchas veces engrosan la relevancia real de dicha novedad o avance. Se crea la noticia de que no puedes vivir sin tus 4k…y todo el mundo a comprar teles en 4k. ¿que mi nuevo movil no graba video en 4k y el de mi vecino (que es un “pringao”) si? Pues a por el 4, que es mejor que el 3, el 2 o el 1… ¿cierto?

Y esto afecta tanto a particulares como a profesionales.

CONTRA. Pero no te desesperes. Si aún sigues pensando hacer tu videoclip musical en 4k, te diré que no es tan mala idea. A continuación 3 aspectos por los que SI podria valer la pena grabar en 4K tu próximo videoclip:

Aunque el formato final del video sea 2k o fullHD, al disponer del material en bruto en 4K, la edición puede salvar algunos planos mal ejecutados. Por ejemplo, se puede ampliar y reencuadrar un plano mal encuadrado.
Con 4.000 pixeles de resolución cualquier retoque de color o aplicación de efectos será menos agresivo que con menos pixeles.
La tendencia es que aumente el numero de dispositivos y de emisiones en 4k, por lo que dentro de unos años será un formato normalizado.

Muchas productoras grabamos nuestros videoclips en 4k o en fullHD, segun las necesidades. Pero más allá de prejuicios de marketing, confia en los profesionales y en su criterio (tanto técnico como artístico).

5 CLAVES PARA REALIZAR UN BUEN CASTING

¿Necesitas actores o modelos para tu videoclip?

Es habitual contar con actores o modelos en los videoclips musicales. De la calidad e imagen de estos profesionales dependerá, en gran medida, la calidad final del video. Pero, ¿que aspectos hay que tener en cuenta a la hora de buscar actores, modelos o figurantes?

A continuación destacamos 5 puntos importantes a la hora de crear un casting y trabajar con ellos.

1. CREAR LA CONVOCATORIA

Hay varias opciones a la hora de convocar un casting.

La opción más facil (aunque tambien la más costosa) es recurrir a una agencia de modelos/actores. Las agencias suelen disponer de un gran elenco de profesionales de muchos perfiles. Generalmente saben como ayudarte y te ayudarán a encontrar la mejor solución. En las ciudades más importantes encontrarás decenas de agencias, como por ejemplo la agencia BGENCY, de Barcelona.

Es la opción más profesional, aunque generalmente requiere un presupuesto elevado (cosa dificil en la mayoria de videoclips)

Otra opción es convocar el casting en una plataforma online, como por ejemplo modelmanagement. Estas plataformas son una especie de agencia, pero es el mismo usuario el que convoca, gestiona y filtra todos los perfiles candidatos. En estos portales hay que dedicar unas cuantas horas para encontrar lo deseado, pero es una opción viable si no se cuenta con tanto presupuesto.

Y finalmente, se puede recurrir a la red social (facebook, twitter, instagram) y difundir la convocatoria entre los contactos. Es una opción menos efectiva y más laboriosa, pero en ocasiones va bien “tirar de contactos”.

2. DEFINIR CORRECTAMENTE EL PERFIL DESEADO

Ten claro que es lo que buscas. Existen multitud de perfiles diferentes (casi tantos como personas diferentes). Explora las posibilidades y visualiza como debe ser el actor o modelo de tu videoclip. Aspectos como la edad, la constitución, el cabello, el color de piel, ojos…pero también sus habilidades, experiencia y su caracter: ¿simpático?, ¿seductor?, ¿bondadoso?, ¿alocado?…

Define correctamente las necesidades, y transmítelas.

3. LA REMUNERACIÓN

Cada proyecto tiene unas posibilidades… pero hay que ser justos con los trabajadores. Los actores o modelos no van a ser menos. Serán la cara visible del videoclip, y como profesionales, se merecen un trato económico justo y en consecuencia. Cada profesional tiene un caché diferente y seguramente tendremos que trabajar con aquellos que encajan en nuestras posibilidades, pero recuerda que un precio justo y digno será bien aceptado y devuelto con entrega y profesionalidad.

4. AUDICIÓN PRESENCIAL O SELECCIÓN VIRTUAL

En primera instancia, intentaremos seleccionar solo a aquellos perfiles que realmente nos gustan y encajan con lo deseado. Una vez tengamos un número interesante de seleccionados, podemos realizar una audición presencial, donde podremos valorar en persona, mediante un pequeño acting o prueba, si realmente ese candidato es lo que buscamos o no. Hay que intentar ser preciso con el dia y la hora acordada, ser dinámicos en la audición y eficaces. Y sobretodo no marear al candidato. El tiempo es oro para todos…

En aquellos casos donde el presupuesto o el tiempo ( o ambas ) no permite realizar una audición presencial, se puede escojer al seleccionado final mediante galeria de fotos y/o videos. Es menos fiable, pero se recorta mucho tiempo (y presupuesto).

5. TRATO PROFESIONAL Y HUMANO

Y por supuesto, hay que trabajar con los actores o modelos con la profesionalidad y el trato humano que se merecen. Cosas básicas como la puntualidad, la comunicación, la amabilidad…

Hay que escuchar sus necesidades y también sus sugerencias (pueden aportar ideas muy interesantes para el personaje que van a representar).

Es importante acordar lo antes posible las condiciones de la colaboración: remuneración, plazo y modo de pago, derechos de imagen, contratos, dias u horarios de rodaje, condiciones, etc.

Pero sobretodo, hacer gala de respeto y educación. A todos nos gusta que nos traten bien, y los actores o modelos no son una excepción.

Algunas productoras de videoclips se pueden encargar también del proceso completo de casting, facilitanto las gestiones y centralizando el trabajo.

Es importante confiar en los profesionales!

¿Rodaje con 1 cámara o rodaje multicámara?

A la hora de rodar un videoclip, ¿es mejor rodarlo con 1 sola cámara, o es preferible contar con multicámara (dos o más simultateamente)?

Antes de profundizar en el tema, comentar que este artículo ha sido motivado (como practicamente todos los que escribo en «mundo videoclip») por la experiencia propia, así como por alguna discusión fortuita con algun cliente. Así que espero que el artículo sirva de guia para entender mejor como funciona una producción, y así decantarse por 1 cámara, 2 o más cámaras.

En primer lugar me gustaria decir que «cada maestrillo tiene su librillo». Y pocas veces el refranero popular está más acertado, ya que en lo que producción audiovisual se refiere, no hay una única forma de hacer las cosas, y cada profesional tiene su forma partícular de defender un rodaje. Eso sí, hágase como se haga, es necesario justificar la decisión.

Si nos remontamos a los orígenes del cine (allá por el sigle XIX), observaremos que en aquella época las películas se rodaban con 1 sola cámara. La idea de colocar 2 cámaras o más no vino hasta la aparición de la TV y la necesidad de la realización en directo (con video). Por tanto, todo el lenguaje cinematográfico fue «inventado» y desarrollado partiendo del uso de 1 sola cámara en rodaje. Y aunque el lenguaje audiovisual ha evolucionado mucho desde entonces, hay una base importante que permanece. De hecho, aún hoy en día la mayoria de producciones cinematográficas se ruedan con solo 1 cámara. En estas películas, solo se pasan al multicámara en escenas concretas de acción o efectos especiales que, por su naturaleza, sale más barato realizar con varias cámaras y evitar repetir tomas o alargar demasiado el rodaje.

Y esque, aparte del aspecto puramente económico (+ cámaras = – tiempo de rodaje), el rodar con 1 sola cámara nos enmarcará en esa textura filmica, por contra de la textura televisiva (o de video) que caracteriza el rodaje multicamara.

Pero vayamos al grano, y veamos las ventajas de producir con cada uno de ambos sistemas:

Ventajas de rodar con 1 cámara:

La iluminación puede ser más sofisticada y preparada, puesto que se puede trabajar pensando en un punto de vista concreto.
Se pueden plantear encuadres más compejos, artísticos o «imposibles». Todo el set se plantea para ese único punto de vista, así que la cámara (la unica que hay) se convierte en la protagonista absolutay tendrá libertar para «moverse» como quiera y por donde quiera (es un decir…)
La atención del artista/actor/modelo etc. está definida! hay un espectador concreto (la cámara) y su acción tiene una dirección concreta. Sabemos donde está el espectador. Mirar o no mirar, he ahí la cuestión…. pero con conocimiento de causa.
Has encontrado a un operador de cámara cojonudo…. ¿que te hace pensar que vas a encontrar 2, 3 o más operadores igual de buenos para tu rodaje?
Alquilar (o comprar) 1 cámara es más barato que comprar 2… así que puedes invertir ese «ahorro» en una cámara mejor, mejores ópticas, o simplemente en un buen catering :)))
El inevitable look cinematográfico que aporta rodar a 1 sola cámara, será dificil de imitar.

Ventajas de rodar con 2 cámaras:

Se puede rodar más rápido (puedes cubrir varios puntos de vista al mismo tiempo)
Puedes obtener más cantidad de material (aunque habria que ver la calidad del mismo….)
Aporta un look más televisivo (como un «live»)

En definitiva, cada profesional debe escoger que sistema se adapta mejor a cada producción. Pero antes de decidirte por un formato u otro preguntate:

¿Quiero conseguir un look cinematográfico o televisivo?

A continuación, nuestro último videoclip rodado con 1 cámara (aunque tambien hay algunas tomas con drone):

Saludos!!

Manuel Mira. Director de videoclips.

CONSEJOS para iluminar un Videoclip

La fotografía es luz. Lo que hace posible que podamos captar y reproducir videos es luz. La luz es imprescindible en la creación audiovisual. Todo lo que entra por la óptica de la cámara e impresiona el sensor digital (antiguamente la película fotosensible) es luz.

Una vez el sensor ha captado esa luz, la envia al procesador en forma de información y este la convierte en una imagen entendible para el ojo humano.

Entendiendo esto, es facil argumentar que del control y de la manipulación de la luz a la hora de disparar un plano, dependerá el resultado final de nuestra fotografía.

A continuación, algunos consejos interesantes para plantear la iluminación en la creación de un videoclip musical.

ILUMINACIÓN EN ESTUDIO con 2 o 3 focos

La grabación en estudio es un recurso recurrente donde colocar al artista musical y que se defienda con algunos playbacks. Una forma sencilla y fácil de iluminar este tipo de situaciones con 2 focos, es colocando 1 foco detrás del sujeto (contra) y otro delante. Ambos focos situados ligeramente en un lateral. El foco de contra le dará relieve y brillos muy atractivos.

En el otro lateral puede colocarse un reflector, que le aporte un poco de relleno (suave) o un tercer foco con poca intensidad (ideal si se cuenta con dimmer y así regular la intensidad deseada)

ILUMINACIÓN EN INTERIOR natural

Si tenemos que grabar un espacio interior «real» y contamos con alguna ventana que deje pasar la luz natural exterior, una buena idea es aprovechar esa luz proveniente del sol. No hay mejor luz que la solar.

Podemos completar la luz solar con focos artificiales. Pero es importante que respetes la temperatura de color. La luz solar oscila entre 4.800ºK y 5.600ºK, la cual tiene una tonalidad neutra (blanca) y es llamada tambien «luz día». Por tanto, los focos que añadamos deben respetar dicha temperatura.

Si la luz que entra por la ventana es muy directa, quizas podamos sustituir (o completar) los focos por un reflector.

ILUMINACIÓN EN EXTERIOR de día

En un día soleado no hay mejor forma de iluminar que aprovechando la fuerza del propio sol. Puedes redirigir la luz solar usando reflectores. Tener el sol de contra y el reflector como luz de relleno, es una buena forma de obtener contrastes, brillos y relieves atractivos.

En un día nublado o si las condiciones lo requieres, se puede contar con poten

tes focos HMI. Estos focos emiten «luz día» y tienen una potencia suficiente como para compensar o imitar la luz natural del sol. El problema es que estos focos suelen ser caros, y además requieren el uso de grupos electrógenos (no se pueden enchufar a la red doméstica), lo que puede complicar y encarecer la producción.

ILUMINACIÓN NOCTURNA (interior o exterior)

La iluminación nocturna requiere (si o si) de iluminación artificial. Nuestro trabajo consistirá basicamente en complementar la luz artificial que ya exista en la escena, proveniente de lamparas, farolas urbanas, etc.

Podemos seguir un esquema similar a las anteriores configuraciones. Una luz de contra nos dará relieve y brillos interersantes, pero necesitarás reforzar con un poco de relleno lateral o frontal.

En cualquier caso, la iluminación nocturna tenderá a ser de 3.200ºK (luz cálida), salvo si se quiere simular la luz de la luna, que será de 5.500ºK (la luna rebota la luz del sol).

En cuanto a la luz lular, culturalmente asociamos la luz de la luna a tonos azulados (aunque en realidad es blanca). Esto lo podemos conseguir si trabajamos con iluminación de 5.500ºK pero ajustamos la cámara a 3.200ºK. Asi obtendremos ese filtro frio que invadirá todos los tonos.

Una buena iluminación requiere preparación y anticipación para poder organizarse y planificar la producción. Contar con buenos medios ayudará mucho, y la experiencia y talento se vuelven fundamentales, ya que una buena iluminación no suele ser algo casual, sino premeditado.

Videoclips a vista de pájaro (vídeo con drone)

No cabe duda que la tecnología drone ha venido para quedarse. Estos aparatos voladores han irrumpido en varios sectores, como la agricultura, ingenierias, transporte… y como no, el sector audiovisual.

Esta revolución viene dada, en gran parte, gracias al aporte de la marca DJI, creadora de su milagrosa serie Phantom.

Y pese que a DJI le han salido muchos competidores, la serie Phantom y la serie Inspire (para los más pudientes) siguen siendo modelos ideales para la grabación estandar de vídeo aéreo.

El mundo del videoclip no es ajeno a esta revolución, y cada vez más son los videos que incorporan, como recurso, la captación aérea de secuencias. Y es que, por lo general, nos gusta mucho observar la cotidianeidad desde un punto de vista diferente o perspectiva nueva. Filmar las cosas desde arriba nos puede aportar espectacularidad, frescura y ritmo.

La primera cosa importante a tener en cuenta a la hora de ponernos a volar es la legislación de cada pais. En España ( y practicamente en toda Europa) la normativa es muy clara, y está regulada por AESA (agencia estatal de seguridad aerea) .

Para poder volar profesionalmente un drone como el Phantom III, es necesario ser piloto autorizado. Necesitaremos la siguiente documentación:

– Certificado Médico

– Certificado teórico de piloto

– Certificado práctico de piloto

– Seguro obligatorio (para el drone)

– Autorización como operadora

– Chapa identificativa en el drone

Una vez tengamos todos estos requisitos y nos lancemos a volar con nuestra aeronave, tendremos que vigilar las siguientes limitaciones normativas:

Está prohibido sobrevolar zonas urbanas
Está prohibido sobrevolar aglomeraciones de personas
Está prohibido sobrevolar zonas de tráfico aéreo (especialmente cerca de aeropuertos)
Altura máxima 120 metros
Distancia máxima 500 metros (se podria enviar a más de 500 metros si nos concedieran un NOTAM, pero es algo bastante improbable)

Tampoco se pueden sobrevolar parques naturales o zonas protegidas.

Aunque es cierto que las limitaciones legales son muy notables, con un empleo inteligente y eficaz del drone, se pueden obtener unos planos espectaculares con estas máquinas.

En particular, los drones de la serie Phantom ofrecen calidad a un precio razonable. Hablamos de una aeronáve profesional, de uso facil. Facil, porque los automatismos y ayudas de la máquina hacen que volar con ella sea casi un juego de niños. No obstante, no hay que confiarse y la manipulación de estos drones tiene que hacerse con responsabiliad, conocimiento y experiencia, para evitar accidentes (todos recordamos aquel concierto de Enrique Iglesias…)

La calidad de imagen que nos ofrece el Phantom es muy digna. Quizás es algo limitada para su uso en cine, no tanto por la resolución (hay modelos en 2.7 y en 4k) sino por su rango dinámico y la compresión. Pero no se puede pedir más a una máquina que ronda los 1.000 euros, pesa 1.3 kg, vuela y además graba vídeo profesional, ideal para videoclips y proyectos (no tan) low cost.

Así que, no te cortes y deja volar tu imaginación, y rueda tu videoclip con un drone.

Eso sí, como siempre confía en los profesionales del sector. No solo te evitarás problemas legales (y una tediosa multa de AESA), sino que contarás con la experiencia y oficio suficientes para exprimir al máximo estos juguetes, que tanto nos gustan.

Abróchense los cinturones que despegamos…

https://www.youtube.com/watch?v=MHwJE0_ka2s

TOP las 5 mejores cámaras para rodar un Video musical

La tecnología audiovisual progresa exponencialmente y casi cada año aparecen en el mercado nuevas máquinas profesionales (y domésticas) dispuestas a revolucionar el sector del vídeo.

Nada o poco tienen que ver las cámaras que se usaban en los inicios del cine, respecto a las modernas cámaras de la actualidad.

El gran salto se realizó recién inaugurado el tercer milenio, cuando la grabación de cine analógico se convirtió en cine digital. A partir de entonces, la calidad, resolución y sensibilidad de las cámaras digitales a llegado a unos niveles inimaginables en el siglo XX.

En la actualidad todo el proceso audiovisual es completamente digital. Tanto la grabación, como el editaje, así como la proyección (en salas de cine) se realiza en digital.

En el mundo videoclip las posibilidades y necesidades, en lo que se refiere a cámaras, son basicamente las mismas que en el cine u en otros formatos, pero si existen algunas particularidades.

A continuación, las 5 mejores cámaras para la grabación de videoclips musicales:

1º CINE BLACKMAGIC

Después de amasar una amplia experiencia en la creación de software de post-producción de cine, BlackMagic se lanzó a la piscina y creó la impresionante, extraña, revolucionaria, delicada y eficaz Cine BlackMagic.

Temida por muchos por su dificil manejo, Cine Black Magic destaca por su buenísimo sensor (de 16mm) y su rango dinámico de 13 stops. Algunos las consideran un magnífico sensor metido en una «puñetera» caja. Y es que la Black Magic es una cámara minimalista sin practicamente funciones automáticas ni presets, ni ayudas pretederminadas. Es una cámara simple en su uso, que requiere habilidad y profesionalidad para su operador.

Pero si eres habil con la cámara y saber manejar la luz, con la Cine Black Magic podrás captar impresionantes y sensibles imágenes ideales para videoclips musicales, cine independientes, documentales de autor o proyectos low cost (el cuerpo solo cuesta menos de 2.000 euros)

PROS: Un sensor de primer nivel. Excelente relación calidad-precio.

CONTRA: No graba slowmotion; y tiene un factor de recorte de 2.4x

2º RED SCARLET

Red One fue la primera cámara de CINE del mercado (que grababa «vídeo» digital en 4k, 13 stops de rango dinámico y una compresion 4:4:4 óptima para proyectos cinematográficos. Y han sido varios los modelos que le han seguido. Entre ellos la versatil RED SCARLET.

Scarlet es una cámara de CINE (en mayúsculas) de gran calidad. Con esta cámara se han grabado multitud de peliculas de primer nivel, y si tienes la suerte de tenerla entre tus manos, entenderás la diferencia de trabajar con una cámara de la familia RED.

PROS: Calidad CINE. Alta sensibilidad. Colores impecables.

CONTRA: Solo para presupuestos pudientes (es cara). Es una cámara pesada y necesita accesorios y soportes robustos.

3º CANON 5D

Sin dudas, Canon revolucionó el mercado audiovisual con su Canon 5d mark II. Le seguieron la Canon 7D, la 60D, 80D, la mark III, mark IV, etc. y la competencia (especialmente nikon) no tardó en imitar el efecto Canon.

Pero Canon se situó indiscutiblemente como lider (y sigue) en la grabación de vídeo de alta calidad con cámaras DSLR (Digital Single lens reflex) e inauguró la posibilidad a los filmmaker con poco presupuesto de captar imágenes espectaculares con un toque cinematográfico con una cámara que cabe en la palma de la mano.

PROS: Buena calidad con un precio asequible.

CONTRA: Su tamaño y limitaciones naturales, exige el empleo de accesorios complementarios. No deja de ser una cámara de fotos.

4º BLACKMAGIC URSA

De vuelta con Black Magic, esta vez nos quedamos con la URSA, una versión más potente, que permite (entre otras cosas) grabar slowmotion en 4k. Es una cámara mucho más robusta y manejable que la Cine BlackMagic. El sensor se mantiene en estándares altos y sigue en la linea de la marca.

PROS: Cámara de CINE de altas prestaciones a precios más asequibles (que las RED)

CONTRA: Demasiado pesada y grande en comparación con la CINE Blackmagic.

5º CANON C100

Canon intentó continuar con el éxito de su Canon 5D, creando esta vez una videocámara destinada (solo) a vídeo/cine (sin fotos) y prestaciones especiales para estos usos. Pero fracasa estrepitosamente en el intento y pierde la versatilidad, agilidad y accesibilidad (lowcost) de las 5D, para quedarse con una cámara pesada, cara, lenta, y con textura de vídeo camcorder que nos recuerdan más a las viejas Sony Z1 o Panasonic P2, que no a las modernas cámaras de cine digital.

PROS: Opción facil para videomakers industriales .

CONTRA: Calidad Vídeo (no cine). Baja relación calidad-precio.

En cualquier caso, mucho más importante que contar con una cámara u otra, es contar con un equipo de profesionales (director de fotográfia, operador de cámara, director, etc.) que sepan sacarle el mejor partido a cáda máquina y cada situación.

Confia en los profesionales que conocen sus herramientas de trabajo y se preocupan por estar al día en cuanto a novedades tecnológicas se refiere.

5 claves para EDITAR facilmente un videoclip

La edición o montaje es el proceso último y definitivo que vamos a trabajar, y se trata, sin dudas, de un proceso importante y decisivo para el éxito (o no) del videoclip.

Si el guión y/o el rodaje han sido un fiasco y han estado plagados de errores, va a ser dificil salvar el proyecto con una buena edición, pero, si hemos hecho los deberes y hemos defendido bien el guión y el rodaje, sería una pena echar a perder el proyecto por una edición mediocre o poco trabajada.

Así que no hay que desesperar en esta parte final del proceso. Vuelve a disfrutar de la «soledad» del montaje (después de seguramente un ajetreado, estresante y multitudinario rodaje) y demuestra que te llevas bien con el ordenador.

A continuación, algunas claves y consejos para agilizar la edición y asegurarte un resultado profesional:

1. Sincroniza todas las tomas. Si has grabado tomas del/la cantante haciendo playblack, la primera tarea que te recomiendo que hagas es colocar cada una de esas tomas en una pista diferente de tu editor, y las sincronices todas con la pista de audio final (el tema de estudio).

Yo personalemente voy colocando una a una cada toma y las sincronizo (una a una) con el audio master, ayudado con la herramienta de sincronización del premiere.

En este ejemplo, he sincronizado 14 tomas diferentes con el audio master, colocando cada una en su correspondiente pista. Las tomas de las pistas 10 y 13 no son de toda la canción y solo abarcar una fracción de la misma.

Es hora de darle al play, a la cuchilla, al pause, a suprimir, etc. Poco a poco irás editando por corte las pistas sincronizadas. Al final, el resultado de este proceso podria ser algo así:

Ahora ya tienes una buena base para trabajar. Después ya podrás ir añadiendo poco a poco todas las otras tomas que no son sincronizables con el audio (como los recursos, acciones dramáticas, etc).

2. El ritmo es esencial. En cualquier tipo de video el ritmo y la métrica juegan un papel importantisimo, ¡pero en los videoclips es primordial! Cada estilo musical o cada tipo de videoclip requerirá un tipo de ritmo u otro (eso se tendrá que valorar en cada ocasión), pero sobretodo asegúrate de controlarlo en todo momento. Decide la duración de cada clip, así como cuando empieza y cuando acaba.

Observa en este caso, por ejemplo, como el corte se ajusta al cambio de ritmo (visible por la punta de pico de la onda de audio):

3. En la variedad está el gusto. Un vídeo demasiado repetitivo (donde las mismas tomas se repitan una y otra vez) será muy dificil de justificar. Si hiciste los deberes en rodaje y grabaste suficientes tomas (y variadas), aprovecha e intenta editar un videoclip ritmico y cambiante:

Si «A» es una toma de Primer Plano de tu cantante. «B» es una toma de Plano Medio, «C» es un Plano General y «D» es un plano recurso de sus manos; no hagas A-B-A-B-A-B-A-C-D. Prueba con A-B-C-A-B-D-A-C-D

No obstante, esto solo es una referencia general. Cada uno debe valorar en cada momento que es mejor para su proyecto y su edición. Cada videoclip tiene unas necesidades.

4. Organiza el proceso de tu post-producción. Normalmente estamos limitados por la potencia de nuestro ordenador (siempre hay un limite). Para no hacer sufrir nuestro ordenador, y no sufrir nosotos con él, lo mejor es optimizar el esquema de trabajo y organizar el proceso de post-producción pensando en la mayor agilización para el procesador y la memoria.

Mi consejo es el siguiente mini esquema:

1º Sincronización de pistas

2º Edición por corte (incluyendo recursos, acciones, etc)

3º Revisión y retoque de edición por corte.

4º Inserción (o creación) de Efectos Visuales (FX), y textos, logos, créditos, etc.

5º Correción de color

6º Rendering final, revisión final y export.

5. Corección de color. Si bien la correción de color es un elemento imprescindible en la post-producción audiovisual, se podría plantear que no corresponde al proceso de edición (propiamente dicho) , sino que es un proceso independiente (y posterior). Por ello en este artículo no vamos a profundizar en la correción de color (lo haremos más adelante en otro artículo). Pero si destacar que no puedes plantear hacer un video profesional y pasar por alto este proceso.
Aprender a editar no es dificil, pero para sacar el máximo partido a las herramientas y tener la agilidad de un profesional, se requiere años de experiencia. Como siempre, confia en profesionales. Ahorrarás tiempo y dinero.

¿ Donde rodar las secuencias de un videoclip ?

En este artículo vamos a descubrir algunos aspectos importantes a tener en cuenta a la hora de decidirse por una localización (o varias) para rodar el videoclip musical.

En primer lugar haremos una breve clasificación de los tipos de localizaciones más habituales que se suelen optar para la mayoria de videoclips:

Exteriores naturales (bosques, playas, campos, naturaleza en general…)
Exteriores urbanos (ciudades, pueblos, urbanizaciones, polígonos, etc)
Interiores naturales (casas, oficinas, hoteles, apartamentos, espacios industriales, etc)
Plató / estudio (espacios profesionales diáfanos y versátiles adaptados para rodajes)

Y otros lugares dificiles de etiquetar, como por ejemplo una embarcación, el interior de un coche, un parque temático, etc.

En general la elección de una localización u otra se debe plantear en el guión (es parte de la apuesta narrativa o conceptual) y estará supeditado sobretodo a las necesidades creativas, al perfil artístico del grupo/cantante y a limitaciones presupuestarias.

Conocer el entorno natural, la arquitectura del lugar, los espacios recónditos y en general el perfil y atmósfera de un lugar, es algo indispensable para terminar de darle forma al guión y establecer la/las localizacion/es.

Pero cada espacio tiene sus condiciones, limitaciones y especificaciones. Hablemos de ello un poco:

Exteriores naturales: El rodaje en exteriores naturales es una opción visual relativamente fácil, atractiva y con muchas ventajas. Pero tambien con algunos inconvenientes. En primer lugar hay que identificar si tenemos autorización para rodar. Si se trata de un parque natural o protegido, seguramente tendrás que pedir permiso a la entidad correspondiente, y seguramente te harán pagar unas tasas (que suelen ser caras). Además, estarás limitado en uso (horarios, espacios, posibilidades técnicas, etc. ). Ten en cuenta que practicamente no existen espacios «libres», y todo rincón de España pertenece a un propietario privado o público. Sea uno u otro, infórmate antes para evitarte multas o situaciones incómodas. En exteriores naturales debes prestar especial atención a la meterología y a las horas de luz. Lo bueno es que puedes prescindir de focos y trabajar con reflectores (el sol es el mejor foco que puedes imaginar).

Exteriores urbanos: La arquitectura de un espacio urbano nos puede servir de plató a medida. Es más accesible que rodar en el campo y tendrás servicios a tu alcance (bares, lugares para refugiarse o prepararse, tiendas, etc). Pero tambien hay que informarse para contar con el permiso adecuado. En Barcelona, por ejemplo, hay unas tasas para rodajes (que son bastante caras), pero hay un modelo de permiso de rodaje gratuito siempre que el rodaje se haga con unas limitaciones: 1 cámara y trípode, 9 personas de equipo, y tienes que rodar en la acera sin molestar los viandantes. Cada localidad tiene su normativa. Ten en cuenta que hay algunos edificios que poseen derechos de imagen y en caso de mostrarlos en tu videoclip te expones a tener que pagar por el uso de esa imagen. Las personas tambien tienen derechos de imagen (que podrán ejercer o no). Si vas grabar «figurantes» involuntarios asegúrate que no se les reconozca, o consigue que te firmen una cesión de derechos de imagen.

Si optamos por uso de iluminación en exteriores nos obligará a contar con un grupo electrógeno, o contar con focos que funcionen con bateria. Además, tendrán que ser focos realmente potentes (para el día) para compensar la luz natural.

Interiores naturales: Cuando grabamos en interiores tendremos una atmósfera más controlabe e íntima. La iluminación se convertirá en nuestro principal preocupación y seguramente tendrás que trabajar con un buen equipo de focos para recrear la luz que te interesa. Para rodar en interiores tendremos que pagar el alquiler correspondiente para usar ese espacio por las horas o días que necesitemos, lo que es algo muy importante a la hora de presupuestar el videoclip.

Plató/estudio: Sin dudas una opción muy profesional. Contaremos con todas las facilidades para cubrir los aspectos técnicos y logisticos de cualquier rodaje. El problema es que los platós suelen tener una tarifa horaria alta, y que estaremos limitados a unos fondos o backgrounds muy concretos, que habitualmente suelen ser cicloramas en blanco, negro o chroma (verde). La opción de recrear decorados es muy interesante, pero encarecerá notablemente la producción. La iluminación es indispensable, ya que tendrás que elaborar la iluminación ambiental por completo.

En resumen, escoge el espacio que se adecue a tus necesidades creativas, logísticas y económicas. Todo tiene su precio, pero tu videoclip lo merece.

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