Uncategorized – Mundo Videoclip

Directores de Videoclips que Cambiaron la Industria Musical

Los videoclips musicales son pequeñas obras maestras visuales que a menudo pasan desapercibidas, pero que tienen un impacto duradero en nuestra percepción de la música y la cultura. Detrás de muchas de estas joyas audiovisuales se encuentran directores talentosos cuyas habilidades creativas han dejado una huella indeleble en la industria musical. En este artículo, haremos un viaje a través de las carreras de algunos de los directores de videoclips más influyentes de la historia, explorando su impacto en la música y el arte visual.

1. Michel Gondry: El Maestro de la Ilusión

Michel Gondry es conocido por su enfoque innovador y sus habilidades para crear efectos visuales y trucos de cámara sorprendentes en sus videoclips. Gondry se destacó en la década de 1990 con sus colaboraciones memorables con artistas como Björk y The White Stripes. Sus videos, como «Around the World» de Daft Punk y «Fell in Love with a Girl» de The White Stripes, son recordados por su enfoque artesanal y su capacidad para transformar lo mundano en algo mágico.

2. Spike Jonze: La Narración Visual Maestra

Spike Jonze es conocido por su capacidad para contar historias en sus videoclips, añadiendo profundidad y emoción a la música. Sus colaboraciones con Beastie Boys («Sabotage») y Fatboy Slim («Weapon of Choice») son ejemplos perfectos de cómo Jonze logra fusionar la música con la narrativa de una manera única. Su enfoque cinematográfico ha influido en generaciones de directores.

3. Hype Williams: El Rey de la Estética

Hype Williams ha dejado una marca indeleble en la dirección de arte de los videoclips. Su estilo visual icónico, caracterizado por colores vibrantes y escenografías extravagantes, se puede ver en videos como «Hypnotize» de The Notorious B.I.G. y «Survivor» de Destiny’s Child. Williams convirtió los videoclips en verdaderas obras de arte visuales.

4. David Fincher: La Oscuridad en la Música

David Fincher, conocido por su trabajo en el cine, también ha dejado su huella en la dirección de videoclips. Su enfoque sombrío y su habilidad para crear atmósferas inquietantes se ven en videos como «Vogue» de Madonna y «Love Is Strong» de The Rolling Stones. Fincher demostró que la música podía ser una fuente de inspiración para su narrativa visual característica.

5. Chris Cunningham: La Estética Distópica

Chris Cunningham es un director cuyo trabajo a menudo roza la distopía y la experimentación. Sus colaboraciones con Aphex Twin en «Come to Daddy» y «Windowlicker» son famosas por su estética inquietante y surrealista. Cunningham desafió los límites de lo que se podía lograr en un videoclip, creando experiencias visuales únicas.

6. Mark Romanek: La Elegancia y la Simplicidad

Mark Romanek se destaca por su enfoque elegante y su capacidad para transmitir emociones profundas a través de la simplicidad. Videos como «Hurt» de Johnny Cash y «Closer» de Nine Inch Nails son ejemplos de su habilidad para crear imágenes poderosas que se quedan grabadas en la mente del espectador.

Estos directores han influido en la industria de la música de maneras que van más allá de sus videoclips individuales. Han elevado la dirección de arte de los videoclips a un nivel de arte en sí mismo y han demostrado que la música y la narrativa visual pueden coexistir en armonía. Sus contribuciones a la industria musical han dejado una huella imborrable, inspirando a futuros directores y enriqueciendo la experiencia de la música para todos nosotros. Así que la próxima vez que veas un videoclip, recuerda que detrás de esa obra maestra visual podría estar uno de estos maestros de la imaginación.

VIDEOCLIPS VERTICALES

La manera de consumir música evoluciona constantemente, y en lo referente a los videoclips, constantemente aparecen nuevas formas de hacer o de ver estas piezas audiovisuales.

La última novedad en videoclips, en cuanto a formatos se refiere, es la creación y reproducción de VIDEOCLIPS VERTICALES.

Personalmente me gusta la propuesta y creo que, sin sustituir al video panorámico convencional, el Videoclip Vertical puede aportar una sensación nueva y fresca para el consumo de videos musicales en smartphones o tablets.

VIDEOCLIP VERTICAL pensado para SMARTPHONES

Pensado para consumir en el móvil, el videoclip vertical nos aporta una sensación interesante de cercanía, intimidad e informalidad, como si el/la artista se hubiera grabado un video con su smartphone, solo para ti. Esta sensación puede incrementarse si la grabación del videoclip se ha realizado con esta intención, e imita, de una forma u otra, la grabación amateur con el propio móvil.

PERO NO ES ORO TODO LO QUE BRILLA

No obstante, creo que este nuevo formato no acabará de cuajar lo suficiente y se quedará lejos de convertirse en el formato prioritario. El principal motivo es porque si bien el Videoclip Vertical es interesante para consumir en móviles, si el consumo lo realizamos en ordenadores, televisores u otro tipo de pantallas convencionales, nos resulta del todo incompatible y no funciona bien (los smartphone pueden usar en horizontal o vertical, los ordenadores y televisores solo en horizontal).

Algunos artistas que han empezado a coquetear con este sistema han optado por grabar dos videoclips diferentes. Uno principal en formato convencional y otra versión en formato vertical para consumir en los dispositivos correspondientes.

Esto requiere el doble de producción, el doble de inversión y el doble de esfuerzo para promocionar los videoclip, lo que lo hace solo viable para grandes artistas o grupos.

Algunas plataformas como spotify y se han sumado a esta moda y facilitan el consumo de videoclips en vertical.

YouTube (el que manda…) también permite esta opción.

ES IMPORTANTE NO CAGARLA

Pero ojo! Un error importante a evitar a la hora de crear y subir el videoclip vertical para que se pueda visualizar en vertical en todas las plataformas, es que realmente tenga proporciones en vertical (por ejemplo 1080px de ancho por 1920px de alto). Nos hemos encontrado con “videoclips verticales” que han sido encapsulados erróneamente en un video convencional panorámico y el resultado es lamentable (pues no se adapta a la posición vertical en smartphones):

Pero cuando se usa bien, el resultado puede ser chulo (mirarlo en el móvil)

¿Y COMO SE HACEN LOS VIDEOCLIPS VERTICALES?

A nivel técnico no supone grandes problemas, pero hay algunos detalles a tener en cuenta.

En lo que se refiere a la edición, los videoclips verticales se pueden trabajar exactamente igual que los otros, ya que todos los programas profesionales (premiere pro, final cut, etc.) permiten crear una “plantilla” del tamaño y formato que se desee. Incluso en vertical.

A nivel de grabación podremos emplear los mismos elementos que usamos en un video convencional…pero…no te olvides de girar la cámara!!

Descartada la opción de “recortar” el video en pos-producción (¿vas a cargarte el 75% de la información visual?), la solución pasa por grabar con la cámara inclinada. Esto no es un problema en si, pero tendremos “adaptar” todos los soportes con los que trabajemos: Steadycam, grua, travellings, trípodes, etc. ya que todos ellos están pensados para colocar la cámara en posición “normal”.

¡AHORA A RODAR!

Desde nuestra productora, estamos ansiosos por probar este nuevo lenguaje. Aunque somos conscientes de que es un formato con muchos inconvenientes y, por que no decirlo, con muchos detractores. Y si no te lo crees, mira este vídeo:

🙂 Ya sea en vertical o en horizontal, recuerda que puedes contar con nosotros para la creación de tu videoclip musical 🙂

SLOWMOTION, o como hacer cámara lenta.

Hoy vamos a hablar de la técnica del SlowMotion, o dicho de otra forma, de las cámaras lentas en los videoclips musicales.

El SlowMotion es una técnica que consiste, básicamente, en conseguir clips de vídeo que se reproduzcan a una velocidad notablemente más baja de lo normal, obteniendo así momentos fotográficamente muy estéticos y con cierto encanto visual.

Pero, ¿como se consigue?

Un vídeo o película normal se graba y reproduce a una velocidad de 24 o 25 fotogramas por segundo (fps). Se suele usar 24 tradicionalmente en el cine y 25 tradicionalmente en TV. En internet (youtube, por ejemplo) es indistinto usar 24, 25 u otras velocidades, y dependerá del criterio artístico del creador de ese vídeo.

Para obtener Slow Motion basta con que durante la grabación usemos una velocidad de paso superior a 24 o 25.

Por ejemplo, podemos grabar a 48 fps para obtener posteriormente una cámara lenta con una velocidad 50% más lenta de lo normal (sobre una base de reproducción de 24 fps), o a 50 fps para una base de 25 fps.

Pero si queremos conseguir una cámara lenta más acusada, tendremos que recurrir a grabaciones con cadencias superiores a 48-50.

Siguiendo esa regla de tres, endentemos que si grabamos a, por ejemplo, 96 fps o 100 fps, obtendremos una cámara lenta de un 25% respecto a la velocidad normal.

Y así progresivamente.

Matizar que es tan importante la velocidad de grabación como la de reproducción, porque de nada serviría que grabásemos a 50fps, y luego reproducimos el clip también a 50fps. No conseguiríamos ver ninguna cámara lenta, y además nos generaría una sensación de textura plástica demasiado realista, alejándose por tanto de las estéticas cinematográficas que tanto nos gustan.

Para trabajar esta técnica necesitamos, por tanto, una cámara que permita grabar a más de 48 fps.

Afortunadamente, hoy en día existen en el mercado una gran surtido de cámaras de cine profesionales que permiten registrar a dichas velocidades de paso.

Por ejemplo, la cámara de cine URSA mini 4.6k de BlackMagic permite grabar hasta 120 fps (reales) en 2k de resolución. Sin dudas una opción muy interesante.

Aunque si queremos explorar el mundo desde una perspectiva muy diferente, como si el tiempo si hubiera casi detenido (pero no), tendremos que buscar cámaras especializadas en slow motion, que si bien no son aconsejables para un uso genérico, en lo que se refiere a la grabación de cámaras lentas no tienen competencia. Y en ese rango encontramos la famosa Phantom que, en las versiones más extremas, ¡pueden hasta con relaciones de más de 100.000 fps ! (si, se que te acaba de reventar la cabeza imaginándolo…)

En los videoclips musicales es muy habitual usa esta técnica, y es que se pueden conseguir situaciones muy sugerentes y elegantes con un poquito de slow motion. Nos encanta observar el mundo poco a poco…

Y después de tanto “rollo” técnico, para muestra un botón. A continuación un videclip internacional del grupo FUN, donde la técnica del super slow motion ha sido fundamental:

Y aquí un videoclip marca de la casa con un uso más discreto del slow motion:

Y no lo olvides, tanto para emplear la técnica del slowmotion como para cualquier otra técnica, confía en los profesionales de la creación de videoclips.

URSA MINI 4.6k

¿Has oído hablar de la cámara URSA mini 4.6k? Si has oído hablar de ella, ya sabrás que es una apuesta muy firme de BlackMagic para competir con Red o Arri. Si no has oído aún hablar de ella deberías ponerte al día… y te explicamos porqué:

Cuando BlackMagic sacó su novedosa Cine BlackMagic 2.5k, el mercado audiovisual quedó rápidamente prendado por la magia de su impresionante sensor y su sensibilidad cinematográfica, al alcance de casi cualquier bolsillo.

Pero muchos usuarios de esta cámara notaron enseguida que, a pesar de ser una cámara estupenda, no era una cámara perfecta. Y es que presentaba algunas limitaciones técnicas y operativas. Estas limitaciones ha lastrado la Cine BlackMagic 2.5k y frustrado a algunos potenciales compradores.

Pero con la URSA mini 4.6k, BlackMagic ha vuelto a ponerse como abanderada de la innovación, y se mete, directamente, en las ligas de las más grandes y potentes cámaras de cine digital, compitiendo con la mismísima RED EPIC o la prestigiosa ALEXA.

Muchas son las características de esta super cámara de cine, pero hagamos un rápido repaso a sus ventajas más interesantes:

Sensor de 35mm . Bastante grande como para captar más luz y más nitidez
Captación en 4.6k. No te vas a acabar su resolución
SlowMotion hasta 120 fps (en 2k). pff! ¡Esto nos encanta!
15 stops de rango dinámico. Eso si es sensibilidad…
2 entradas de audio XLR y alimentación phantom. Toma el control del sonido…
Múltiples salidas y conexiones de video y audio.
Forma ergonómica.
Grabación en modo vídeo con colores nítidos y preciosos, o modo FILM para una Pos-Po profesional al detalle.

En definitiva, una cine cámara ideal tanto para proyectos cinematográficos exigentes y de alta producción, como para vídeos sencillos donde se requiera versatilidad y rapidez.

Sin dudas, la mejor cámara del mercado para la realización de videoclips musicales profesionales.

Y como una imagen vale más que mil palabras, aquí tenéis nuestra propia review donde explicamos las bondades de la URSA mini 4.6k.

En nuestra productora hemos adquirido recientemente una unidad de URSA mini 4.6k, con la que esperamos hacer un montón de videoclips musicales.

Nos vemos !

9 Videoclips rodados en Barcelona

Que Barcelona es una ciudad preciosa, seguramente estaremos todos de acuerdo. Pero es que además de bonita, Barcelona es un auténtico plató, donde se ruedan cantidades ingentes de videoclips, anuncios de televisión y películas.

Sin dudas, Barcelona es un de los destinos de Europa donde más rodajes podemos encontrar por las calles.

Esto es debido a varios factores, como el buen clima que disfrutamos todo el año, la cantidad de espacios interesantes que hay para rodar (y de todo tipo), la seguridad, la profesionalidad del sector, la cercanía a otras ciudades importantes (como Londres o Berlin), etc.

A continuación, os presentamos una selección de 9 videoclips destacados que se han rodado en las calles de Barcelona o cercanías:

1. Kylie Minogue – Slow

Uno de mis favoritos de Kylie Minogue. Rodado íntegramente en la piscina Picornell, el inicio del video nos brinda una preciosa panorámica de la ciudad condal.

2. Shakira – Loca

Sin dudas el nombre de Shakira está ya irremediablemente asociado a Barcelona, y ya son muchos los videos de la artista Colombiana rodados entre el Besos y el Llobregat.

3. Pac Sherhag – Show Me Your Love

Dj Suizo ha confiado en varias ocasiones con la ciudad condal para rodar sus videoclips.

En este caso nos deja con su Show Me Your Love, rodado por nuestra productora

4. Natalie Imbruglia – Big Mistake

La artista Australiana se pasea por el PobleNou en este temazo.

5. Evanescence – My Immortal

Evanescence escogió el barrio gótico de Barcelona, sus estrechas calles y sobre todo la plaza de San Felipe Neri para poner imagen a uno de los hits más exitosos de la música dance.

6. Pac Sherhag feat Patrick Miller – There is a party

Otro videoclip de Pascal Sherhag, en colaboración con el rapper Patrick Miller, se soltaron por la ciudad bajo la batuta de nuestra productora de videoclips. Videoclip por tierra, mar y aire…

7. U2 – Vértigo

En este caso no se trata de Barcelona ciudad, sino del delta del Ebro (costa dorada), pero no podíamos no incluir este super hit de la mítica banda.

8. Enigma – Out from the deep

Este grupo de Pop no vivo hasta la ciudad para rodar sus escenas…pero creó unos surrealistas paisajes digitales reflejo de la Sagrada Familia o el parque Güell

9. Cristian Corona ft. Tom Damage

Temazo dance producido por Clamore Records. Rodado en sitios tan míticos de Barcelona como la sala de teatro Llantiol, el passeig de Sant Joan, diagonal mar o las calles de Gracia.

Nuevamente, fue nuestra productora la que inmortalizó este videoclip.

¿y a tí? ¿Donde te gustaría rodar tu videoclip?

Soportes de cámara. 4 (de 4). VARIOS. OTROS.

En toda grabación audiovisual (y por supuesto en los videoclips) se requiere unos soportes de cámara, que no son otra cosa que artilugios mecánicos o eléctricos donde “anclar” la cámara y que sirven para sostener la misma, así como para otorgarle una serie de movimientos.

En el mercado profesional podemos encontrar un abanico muy amplio de tipos de estos soportes.

En anteriores artículos de Mundo Videoclip hemos repasado la Steadycam, la grua y el travelling. Pero cada día aparecen nuevos ingenios adaptados a las nuevas necesidades y tipos de cámara posibles. Por eso, para cerrar este especial de soportes de cámara de mundo videoclip, vamos a hacer un repaso de los otros sistemas de soporte, muy usados actualmente en la grabación de videoclips musicales.

DRONE.

Ya hicimos un especial en Mundo Videoclip de estos artefactos que están tan de moda.

Con los drones podemos conseguir imágenes espectaculares y colocar la cámara en lugares y ángulos imposibles de otra forma.

HOMBRERA

La hombrera es algo tan sencillo como un simple soporte para la cámara que permite sujetar la misma sobre el hombre del operador. La hombrera no genera mucha estabilidad (en comparación a la steadycam), pero suaviza la imagen un poco y aporta al operador un control ergonómico de la cámara.

TRÍPODE

El más clásico, fácil, usado y económico de los soportes de cámara. Un básico que no puede faltar en cualquier producción. No aporta nada especial a la producción, pero en ocasiones “menos es más”

Pero los soportes no terminan aquí. Cada día se inventan nuevos soportes, accesorios e ingenios para rodar los videoclips con calidad cine. Cacharros para todos los bolsillos, gustos y necesidades, como puede ser el SPIDER, el WATERPROOF, las DOLLY, etc.

Como siempre, confía en los profesionales.

Soportes de cámara. 3 (de 4). EL TRAVELLING

En el mercado profesional podemos encontrar un abanico muy amplio de tipos de estos soportes, y cada día aparecen nuevos ingenios adaptados a las nuevas necesidades y tipos de cámara posibles.

En anteriores artículos de Mundo Videoclip ya hicimos un repaso de la Steadycam y de la Grua.

En esta ocasión nos centramos en el TRAVELLING.

TRAVELLING

Convencionalmente se puede llamar TRAVELLING al movimiento de la cámara cuando esta se desplaza en el espacio horizontalmente, indistintamente de con que soporte se realice este movimiento. No obstante, si hablamos de soportes de cámara, definimos el TRAVELLING como un mecanismo compuesto por railes, que permite desplazar una cámara (soportada por un carro o dolly) horizontalmente sobre el.

Dicho de otra forma, el Travelling es una especie de vía por la que se mueve la cámara, como si de un trenecito se tratara.

El Travelling por tanto tiene una longitud definida y el movimiento de la cámara estará limitado por esa longitud.

Tradicionalmente los Travelling han sido siempre sistemas robustos y pesados, que obligaban a contar con una gran logística para transportar, manipular, montar y desmontar el artilugio. No obstante, en la actualidad podemos encontrar muchos modelos de travelling bastante más ligeros, que facilitan mucho su uso.

Paralelamente, han aparecido en el mercado unos sistemas ultraligeros y reducidos, que convencionalmente llamamos “sliders” que simulan el movimiento travelling, ideal para cámara pequeñas y situaciones donde se requiera poca logística y facilidad de uso.

Los sliders son mini travellings, por donde también se desplaza la cámara, sobre una mini dolly.

Un combo interesante es la integración de una grua sobre el travelling. Permitiendo hacer una sincronización de movimientos muy cinematográficos.

PROS: Movimientos muy suaves y firmes. Resultado muy atractivo y cinematográfico.

CONTRAS: Poca flexibilidad de movimiento. Requiere logística importante.

Soportes de cámara. 2 (de 4). LA GRUA

En el anterior artículo hablamos sobre la Steadycam. Hoy vamos a hablar de la GRUA o Camcrane.

GRUA

La grua es un sencillo (pero pesado) sistema mecánico que permite desplazar la cámara en horizontal y vertical, con un eje fijo.

Dependiendo de la longitud de la grua, se puede llegar a levantar la cámara en vertical y respecto al suelo, algunos metros, ofreciendo así el característico movimiento de “elevación”.

La grua es muy usada en TV, en cine y también en videoclips. Su uso se puede completar con el TILT HEAD o cabeza caliente. Esto es una especie de GIMBAL (parecido a de los steadys modernos) o motor de 2 o 3 ejes, que permite complementar el movimiento lateral (horizontal o vertical) de la grua, con el movimiento en horizontal o vertical sobre el mismo eje (Tilt y Pano).

El TILT HEAD se opera remotamente por el mismo operador que mueve la grúa.

En general, una grúa requiere un montaje lento y pesado, ya que se compone de muchas partes y accesorios, como: el trípode o base, el tilt head, los cableados, los contrapesos, el monitor, la batería de alimentación, etc.

Un complemento interesante de la grúa, es el travelling (lo veremos en el siguiente artículo de MundoVideoclip), ofreciendo una combinación de movimientos muy completa y característica del cine.

PROS: Movimientos espectaculares y cinematográficos. Capacidad de colocar la cámara en lugares o ángulos inaccesibles. Firmeza.

CONTRAS: Montaje y desmontaje lento. Requiere logística para su desplazamiento y manipulación. No se puede usar en cualquier sitio (requiere un terreno estable y un techo alto)

Soportes de cámara. 1 (de 4). LA STEADYCAM

En el mercado profesional podemos encontrar un abanico muy amplio de tipos de estos soportes, y cada día aparecen nuevos ingenios adaptados a las nuevas necesidades y tipos de cámara posibles.

En MundoVideoclip vamos a repasar los más importantes.

STEADYCAM

Según la definición de Wikipedia, La “Steadicam es el nombre comercial del primer estabilizador de cámara, consistente en un sistema de suspensión y brazo recto con soporte para la cámara y sistema de contrapesos, el que se puede complementar con un brazo isoelástico adosado a un chaleco o body como se le conoce para aumentar el tiempo de utilización en tomas largas, ya que el peso se traslada de los brazos del operador a las caderas del mismo. El sistema permite llevar la cámara de cine o televisión atada al cuerpo del operador de cámara mediante un arnés. Compensa los movimientos del operador, mostrando imágenes similares al punto de vista subjetivo del personaje”

Con la steadycam se pueden conseguir movimientos horizontales con cierta libertad, donde el operador puede moverse a su antojo por el espacio, e incluso subir escaleras o desniveles.

La steady absorbe las vibraciones y los movimientos bruscos, devolviendo una sensación de “flotabilidad”.

Desde los 80, la steadycam se ha utilizado mucho en cine, pero también en TV o en videoclips.

Con la aparición de videocámaras más ligeras, también aparecieron steadys más ligeras y económicas.

Actualmente existen muchos tipos de steadycam y muchas variantes técnicas, como ejemplo el GIMBAL de 3 ejes, donde el tipo de movimiento y uso es muy similar a la steady convencional, pero basa su estabilidad en un sistema de pequeños motores eléctricos, a diferencia de la steady de siempre, que usa un sistema mecánico.

El manejo de la steady requiere una habilidad especial y bastante experiencia, y suele ser operada por profesionales especializados.

PROS: Sistema rápido y económico de estabilizar una cámara. Aporta mucha libertad.

CONTRAS: Requiere habilidad. Aunque genera estabilidad, los movimientos no son tan precisos como con otros soportes.

Donde difundir tu videoclip

Crear un buen tema musical y un buen videoclip son tareas difíciles y costosas. Por ello, una vez que tenemos en nuestro haber un atractivo video musical, es imperativo hacer una correcta difusión del mismo y que llegue a muchas personas.

No obstante, los canales de difusión populares suelen estar trillados y limitados a unas pocas (y grandes) discográficas, dejando muy poco espacio (o casi ninguno) para los artistas noveles que quieren dar a conocer con la misma o más ilusión que los artistas ya consagrados.

Además, la promoción en general requiere una inversión económica que puede hacer cuesta arriba todo intento de popularizar un videoclip.

Afortunadamente, aún existen algunas vías gratuitas donde “viralizar” tu videoclip, una vez lo has subido a tu canal de youtube.

A continuación, compartimos con vosotros, desinteresadamente, un listado de sitios donde publicar gratuitamente tu videoclip!

www.jukebox.es

Jukebox presenta los títulos y las novedades más buscados del momento. Cualquier profesional puede “subir” su propio videoclip, previa inscripción.

www.wopvideos.com

Puedes proponer música y votar por la que otras personas han subido. Wopvideos no discrimina, no importa de que país provengas aquí siempre podrás ver tus vídeos musicales.

www.hhgroups.com

Dedicado sobretodo para los grupos del universo HipHop. Este es el enlace donde te explican como subir tu video: http://www.hhgroups.com/ayuda/como-subir-un-video/

solmusica.com

Puedes enviar tu vídeo al departamento de Programación de Sol Música.

Aquí tienes la información para presentar tu video: https://solmusica.com/envia-tu-video

https://imvdb.com

Todo grupo que se precie, debe aparecer en este super buscador.

http://cataclips.blogspot.com.es

Si tu tema está en català, este es un buen sitio. Debes enviar un mail a cataclips@gmail.com

http://indicat.blogspot.com.es/

Otro site interesante para temas en catalàn! Enviar mail a indiecatmusica@hotmail.com

Algunas páginas de google + donde compartir tu video:

https://plus.google.com/communities/105454661560527431902

https://plus.google.com/communities/116987588919875540564/stream/cb780f00-4588-4d15-9d44-c099bd0a1ef1

https://plus.google.com/communities/110841108538796949955/stream/f2ad54f5-9005-4a11-a2cb-20cf72afae66

Algunos sites genéricos (vídeos de todo tipo) que no está de más recordar:

https://www.taringa.net/posts/videos

http://www.notengotele.com/enviarvideo

https://www.facebook.com/Promocion-de-canales-de-Youtube-494242490666766

Y que hay de la televisión?

Puedes proponer tu videoclip a la gente de DKiss con este formulario:

http://www.dkiss.es/contacto/

A los de Enderrock (sobretodo para grupos de cataluña)

http://www.enderrock.cat/contacte

Y, como quien no quiere la cosa, dejo por aquí los correos de contacto de MTV españa y de RAC 105. No te cortes, enviales un correo y explicales vuestro proyecto.

MTV hola@mtv.es

RAC 105 rac105@rac105.net

Resultado de imagen de rac105

Ya ves. Así de sencillo :)))

Que te cuesta dedicarle unas horitas para subir (o proponer) tu videoclip a estos espacios, y así darle más visibilidad?

Asimismo, desde MundoVideoclip os invitamos a que compartáis con nosotros otros sitios que conozcáis y no hayamos publicado.

Y para terminar este post, os regalamos un “truquito” para crearos vuestro propio canal de VEVO oficial. Tiene un coste, pero es mucho más sencillo de lo que la gente cree:

http://www.lanzaderamusic.com/como-crear-un-canal-vevo/

QUE APROVECHE!!!!

¿VIDEOCLIPS EN 4K? 5 puntos clave para que no te tomen el pelo.

La tecnologia avanza día a día, y cada vez son más las cámaras de video profesionales o domésticas que permiten grabar en 4K. Incluso muchos dispositivos móviles permiten grabar (teoricamente) a estas resoluciones, pero, ¿realmente el 4K es el formato ideal para un videoclip hoy en día?

Primero de todo, explicar que vídeo 4k se refiere a que contiene una resolución cercana a los 4.000 pixeles horizontales (por unos 2.000 o 2.500 pixeles verticales), frente al fullHD que se refiere a 1.920 pixeles horizontales por 1.080 verticales.

Viendo esto parece evidente que 4k es mejor que otras resoluciones inferiores, pero la realidad es que hay otros factores técnicos en un vídeo que son más relevantes para la calidad, nitidez y definición final del vídeo.

A continuación, 5 puntos clave que nos harán cuestionarnos la importancia del 4k

La compresión.

Todo formato de vídeo contiene una compresión. Esta puede ser muy alta, normal o baja. De nada sirve tener 4.000 pixeles teoricos si contamos con una compresión muy alta. La calidad visual de ese video 4k podria ser mucho menor que un video grabado a 1k (cerca de 1.000 pixeles horizontales) pero con baja compresión.

Las cámaras domésticas, los moviles, e incluso las cámaras de acción (tipo GoPRO) suelen grabar con compresiones muy altas, por falta de bufer. Y el resultado dista mucho de una calidad óptima.

El escalado

Algunas cámaras domésticas (incluyendo moviles) o semiprofesionales “venden” un 4k que en realidad es mucho menos. Mediante un sofware incorporado algunas cámaras pueden grabar en HD convencional o 2K, e “inflar” los pixeles que faltan con un algoritmo muy sofisticado hasta completar los supuestos 4K. Y aunque la sensación final es de una resolución mayor que el HD, queda lejos de un 4K real, con sus 4.000 píxeles por bandera…

El rango dinámico, la luminancia, y la sensibiliad de la cámara.

Hay otros aspectos técnicos relacionados con el sensor de la cámara y el hardware/sofware que la acompaña, que son mucho más relevantes para la calidad final del video.

La capacidad de discernir los claros/oscuros, las tonalidades de color, la capacidad lumínica, el contraste, etc, son elementos fundamentales en la capción de imagen, y que muchas veces son la clave que diferencian un vídeo profesional y de calidad, de uno que no lo és.

La emisión y consumo

Aunque cada vez hay más dispositivos que pueden “ver” en 4K, en España aún estamos lejos de tener el 4k normalizado en nuestros hogares.

Quizas eres afortunado y has podido comprarte ese flamante televisor de ultima generación del mediamark, abanderado por su 4k… pero lamento decirte que seguramente tu TV no tendrá 4K reales (recuerda el escalado de la grabación), y te han colado más pixeles de los que realmente vas a poder ver…

Pero eso no es lo más destacable…

Cuando coloques el TV 4K en tu salón, conectes la antena e intentes ver la tele convencional, te darás cuenta que en España no hay canales de televisión que emitan en 4k. Hay algunos canales que emiten en HD (no hablamos de fullHD) y la mayoria emiten en…..SP !! (720×576). Es decir, la misma resolución digital desde la aparición del TDT, y practicamente la misma resolución que la antigua tele analógica con la que tus padres (o abuelos) pudieron ver la llegada del hombre a la luna… Asi que salvo que te vayas a Japón, no vas a poder ver tu partido de futbol en 4k, hasta dentro de unos años.

Si tu eres más de internet y decides exprimir online tu smartTV… enhorabuena! En youtube (por ejemplo) podras disfrutar de algo parecido a 4k…pero que seguirá siendo un formato comprimido (mucho) y escalado (notablemente). Y además, salvo que tengas un buen WIFI, vas a dejar sin internet a toda tu familia.

Es decir, aunque algunos dispositivos permiten ver en 4K, la mayoria de contenidos, asi como las redes, no se ofrecen en 4K.

Y por supuesto, la iluminación, la profesionalidad, las ópticas, la edición…

La calidad y nitidez de la imagen no dependen unicamente del sensor (y mucho menos de la resolución). Aspectos tan importantes como un buen guión, buenos actores, buena ilumación, buenos movimientos de cámara, un buen sonido!!!, una edición correcta, buen tratamiento del color, etc… son tan relevantes, que delegan la importancia de la resolución a un plano casi anecdótico.

CONCLUSIÓN. Las compañias que fabrican y venden camaras, teles, etc, están muy interesadas en generar necesidades de consumo constante. Están “obligadas” a ofrecer novedades y avances todo el tiempo, para que sientas la tentación de “actualizarte”. Y muchas veces engrosan la relevancia real de dicha novedad o avance. Se crea la noticia de que no puedes vivir sin tus 4k…y todo el mundo a comprar teles en 4k. ¿que mi nuevo movil no graba video en 4k y el de mi vecino (que es un “pringao”) si? Pues a por el 4, que es mejor que el 3, el 2 o el 1… ¿cierto?

Y esto afecta tanto a particulares como a profesionales.

CONTRA. Pero no te desesperes. Si aún sigues pensando hacer tu videoclip musical en 4k, te diré que no es tan mala idea. A continuación 3 aspectos por los que SI podria valer la pena grabar en 4K tu próximo videoclip:

Aunque el formato final del video sea 2k o fullHD, al disponer del material en bruto en 4K, la edición puede salvar algunos planos mal ejecutados. Por ejemplo, se puede ampliar y reencuadrar un plano mal encuadrado.
Con 4.000 pixeles de resolución cualquier retoque de color o aplicación de efectos será menos agresivo que con menos pixeles.
La tendencia es que aumente el numero de dispositivos y de emisiones en 4k, por lo que dentro de unos años será un formato normalizado.

Muchas productoras grabamos nuestros videoclips en 4k o en fullHD, segun las necesidades. Pero más allá de prejuicios de marketing, confia en los profesionales y en su criterio (tanto técnico como artístico).

Reflexión sobre los estereotipos en los videoclips y sus límites éticos.

Debemos entender los videoclips musicales como herramientas de marketing que usan los artistas/grupos para promocionar su música y promover su consumo.

No hay dudas del valor artístico de los videoclips y de los profesionales que trabajamos en ellos, pero no hay que olvidar que el objetivo de estos audiovisuales es sobretodo el objetivo publicitario.

Lejos de teorías de la conspiración, la creación de videoclips responde a unas necesidades de mercado o de audiencia, y son, en su esencia, un reflejo fiel de la sociedad en la que vivimos. Los videoclips, por lo general, quieren atraer y gustar a su público. Por lo tanto se amoldarán y se crearan a medida para ese determinado público.

Y como (afortunadamente) vivimos en una sociedad plural donde conviven formas diferentes de entender la vida, nos encontramos también con pluralidad de tipos y formas de videoclips. Esta diversidad podría catalogarse o agruparse por “targets” (perfiles).

Los grupos de música y las productoras de vídeo conocemos bien estos targets. Nos debemos a ellos y no estamos dispuestos a defraudarlos…

LÍMITES ÉTICOS y ESTÉTICOS.

En la creación audiovisual, como en la vida, los límites éticos son puramente subjetivos y están condicionados según los aspectos culturales de una comunidad concreta. Es decir, por ejemplo, una región del mundo puede ver como una “atrocidad” aquello que para otra región es la cosa más normal del mundo. Además, estos aspectos culturales no son fijos, y van cambiando y evolucionando según las necesidades de dicha comunidad. En definitiva, aquello que ayer era un escándalo, puede que hoy sea algo normal y bien visto. Pero puede ser que mañana, algo que hoy vemos como normal, se convierta en inmoral o obsceno.

Creerse a uno mismo poseedor de la verdad absoluta y/o poseedor de las normas morales, es una falta (no solo) de empatía y de respeto.

Como en todas las obras audiovisuales y en todos los formatos de comunicación, los videoclips no están exentos de estereotipos y de convenciones sociales. Tal y como decíamos antes, estos estereotipos están condicionados por el target de cada comunidad al que va dirigido el video. Cual reflejo de la(s) sociedad(es). Y como ocurre en otros ámbitos de la comunicación, unos estereotipos chocan de frente con otros estereotipos de otro target social. Aquello que a nosotros “nos parece” mal, quizás es totalmente normal para otra comunidad (y viceversa).

SOBRE EL MACHISMO Y EL HEMBRISMO en los Videoclips.

Si entendemos que los videoclips son un reflejo de la sociedad y si entendemos que la sociedad es plural y está repleta de estereotipos, nos es fácil entender que también en los videoclips habrá cierta presencia de algunos -ismos, como pueden ser el machismo o el hembrismo (misandría o desprecio a los hombres).

Podremos encontrar algunos videos donde una figura masculina posee una posición “dominante” sobre una figura femenina, al igual que encontraremos algunos videos donde una figura femenina posee una posición “dominante” sobre una figura masculina. Como la vida misma…

Pero por favor: no generalicemos. No caigamos en titulares fáciles. Seamos críticos (también autocríticos). En ocasiones nos dejamos llevar victimas de un prejuicio ideológico.

Es demasiado fácil etiquetar.

Hay lobbys que mueven muchísimo dinero y que harán lo posible para que creas lo que quieren que debes creer.

Y recuerda: no hay peor ciego que el que no quiere ver….

Pero…y ahora que?

Antes de dejar caer el yugo idealista sobre un videoclip, preguntate ¿porqué ese videoclip es así y no de otra forma?

Tu eres parte de la sociedad. Formas parte de eso que tanto amas, pero tambien de eso que tanto odias. Quizás tu seas más responsable de que las cosas sean como sean (incluyendo los videoclips).

Se responsable, contrasta la información, observa y… sobre todo… ¡PIENSA!

Cual es la responsabilidad ética de las productoras de videoclips?

Las productoras de videoclips musicales, como cualquier otra entidad, persona o agrupación, tienen la responsabilidad de crear productos (videoclips) respetuosos con el entorno.

Aunque es imposible encajar bien en todas las identidades culturales, al menos sí debemos intentar crear vídeos lo más respetuosos posible, que tengan contenidos positivos y sensibles, y que, en la medida de lo posible, contribuyan a hacer de esta(s) sociedad(es), una(s) sociedad(es) mejor(es).

Manuel Mira, director de videoclips.

¿Rodaje con 1 cámara o rodaje multicámara?

A la hora de rodar un videoclip, ¿es mejor rodarlo con 1 sola cámara, o es preferible contar con multicámara (dos o más simultateamente)?

Antes de profundizar en el tema, comentar que este artículo ha sido motivado (como practicamente todos los que escribo en «mundo videoclip») por la experiencia propia, así como por alguna discusión fortuita con algun cliente. Así que espero que el artículo sirva de guia para entender mejor como funciona una producción, y así decantarse por 1 cámara, 2 o más cámaras.

En primer lugar me gustaria decir que «cada maestrillo tiene su librillo». Y pocas veces el refranero popular está más acertado, ya que en lo que producción audiovisual se refiere, no hay una única forma de hacer las cosas, y cada profesional tiene su forma partícular de defender un rodaje. Eso sí, hágase como se haga, es necesario justificar la decisión.

Si nos remontamos a los orígenes del cine (allá por el sigle XIX), observaremos que en aquella época las películas se rodaban con 1 sola cámara. La idea de colocar 2 cámaras o más no vino hasta la aparición de la TV y la necesidad de la realización en directo (con video). Por tanto, todo el lenguaje cinematográfico fue «inventado» y desarrollado partiendo del uso de 1 sola cámara en rodaje. Y aunque el lenguaje audiovisual ha evolucionado mucho desde entonces, hay una base importante que permanece. De hecho, aún hoy en día la mayoria de producciones cinematográficas se ruedan con solo 1 cámara. En estas películas, solo se pasan al multicámara en escenas concretas de acción o efectos especiales que, por su naturaleza, sale más barato realizar con varias cámaras y evitar repetir tomas o alargar demasiado el rodaje.

Y esque, aparte del aspecto puramente económico (+ cámaras = – tiempo de rodaje), el rodar con 1 sola cámara nos enmarcará en esa textura filmica, por contra de la textura televisiva (o de video) que caracteriza el rodaje multicamara.

Pero vayamos al grano, y veamos las ventajas de producir con cada uno de ambos sistemas:

Ventajas de rodar con 1 cámara:

La iluminación puede ser más sofisticada y preparada, puesto que se puede trabajar pensando en un punto de vista concreto.
Se pueden plantear encuadres más compejos, artísticos o «imposibles». Todo el set se plantea para ese único punto de vista, así que la cámara (la unica que hay) se convierte en la protagonista absolutay tendrá libertar para «moverse» como quiera y por donde quiera (es un decir…)
La atención del artista/actor/modelo etc. está definida! hay un espectador concreto (la cámara) y su acción tiene una dirección concreta. Sabemos donde está el espectador. Mirar o no mirar, he ahí la cuestión…. pero con conocimiento de causa.
Has encontrado a un operador de cámara cojonudo…. ¿que te hace pensar que vas a encontrar 2, 3 o más operadores igual de buenos para tu rodaje?
Alquilar (o comprar) 1 cámara es más barato que comprar 2… así que puedes invertir ese «ahorro» en una cámara mejor, mejores ópticas, o simplemente en un buen catering :)))
El inevitable look cinematográfico que aporta rodar a 1 sola cámara, será dificil de imitar.

Ventajas de rodar con 2 cámaras:

Se puede rodar más rápido (puedes cubrir varios puntos de vista al mismo tiempo)
Puedes obtener más cantidad de material (aunque habria que ver la calidad del mismo….)
Aporta un look más televisivo (como un «live»)

En definitiva, cada profesional debe escoger que sistema se adapta mejor a cada producción. Pero antes de decidirte por un formato u otro preguntate:

¿Quiero conseguir un look cinematográfico o televisivo?

A continuación, nuestro último videoclip rodado con 1 cámara (aunque tambien hay algunas tomas con drone):

Saludos!!

Manuel Mira. Director de videoclips.

¿Cual es la mejor época para el rodaje de un videoclip?

Los meses de verano suelen ser los preferidos para la mayoria de grupos musicales a la hora de escoger la época para rodar sus videoclips. También pasa lo mismo con la publicidad y el cine: al llegar mayo o junio, las agendas de las mejores productoras audiovisuales de España se colapsan.

Pero, ¿realmente el verano es la mejor época para rodar videoclips?

Veamos estación por estación, que pros y que contras nos encontraremos en los rodajes (si nos encontramos en España):

PRIMAVERA. El mercado audiovisual empieza a calentar motores cuando llega el calorcito. Los días empiezan a alargar y las jornadas de rodaje se pueden extender más. La grabación en exteriores se hace muy agradable, pues el clima acompaña, . Hay bastantes posibilidades de sol y el campo luce un colorido floral muy atractivo (cuidado los alergicos…).

VERANO. Playita, piscinita…pero que duro se hace rodar a 35º… Los dias son eternos, pero practicamente es imposible grabar en exteriores desde las 9.00 de la mañana hasta las 18.00 de la tarde, ya que el sol se posiciona muy cenital, genera sombra agresiva y la luz es demasiado dura.

OTOÑO. Emocionalmente la peor época del año… pero si puedes disimular en el cuadro el malestar del equipo técnico y artístico, los rodajes en otoño tiene bastantes ventajas. El día aún es bastante largo, pero el sol no es tan agresivo. El clima aún es agradable y se pueden plantear exteriores que simulen verano, sin torturar a los actores/modelos. Eso sí, vigila bien la previsión metereologica, pues en estos meses el clima es una fiesta cambiante.

INVIERNO. Sin dudas, mi época favorita para rodar. Los días son cortos, pero la luz solar es ideal toda la jornada. Desde el alba al ocaso, el sol luce suavemente generando brillos y reflejos tamizados. En segun que partes de España (como Barcelona), el invierno es suave y se pueden disfrutar jornadas en exterior a 15º, 20º e incluso 25º. Hay que estar muy pendiente de la previsión meteorológica, pero con un poco de suerte, tendremos la luz perfecta y un clima agradable. Cabe decir que, debido a las lluvias, generalmente vamos a encontrar unos paisajes idílicos, verdes y frondosos, muy atractivos.

No obstante, cada rodaje tiene sus necesidades y particularidades, por lo que no es facil determinar realmente qué momento es el ideal para un rodaje, y será el equipo de profesionales del rodaje los que puedan valorar cada situación.

Chroma (fondo verde) en los videoclips

Como creador de videoclips (he realizado más de 175 videos musicales), he observado una demanda creciente del uso del chroma en los encargos de videoclips.

Cada vez más muchos artistas que solicitan un nuevo videoclip, se interesan y preguntan por esta técnica (tan rara y desconocida para muchos).

La mayoría de las veces este interés en el chroma viene dado, sobretodo, por la creencia de que con esta técnica se abaratan mucho los costes y es posible hacer un video espectacular con «4 duros», y todo con el simple uso de un fondo verde y un ordenador con after efects.

Pero nada más lejos de la realidad… Veamos porqué.

COMO SE HACE UN CHROMA?

Para empezar, necesitaremos un fondo de color verde, azul, o cualquier color vivo o llamativo que difiera notablemente de los colores que contenga el sujeto/objeto que queramos colocar delante de la cámara.

La iluminación del chroma debe conseguir un tono uniforme y plano, sin sombras o degradados. El sujeto/objeto debe iluminarse independientemente del fondo. Para ello lo intentaremos separar lo máximo posible del fondo.

Para evitarnos problemas, la vertiente más basica del chroma nos dice que tenemos que grabar con trípode. No moveremos la focal ni el zoom, e intentaremos que el plano sea estático.

Una vez grabado, editaremos el clip en cualquier progama de edición (after-efects, premiere, final cut…). Si lo hemos hecho bien, podremos disponer del sujeto/objeto recortado en una capa independiente. A partir de aquí podremos incorporar detrás de esa capa la imagen/video que deseemos.

Esta técnica es muy util para realizar pequeños efectos que complementar el vídeo «convencional». Como por ejemplo:

pero….EL CHROMA TIENE SUS PEGAS

No obstante, para realizar montajes más complicados, que incorpore recrear fondos tridimensionales reales o creados en 3D por ordenador, que incorpore movimientos de cámara, o que busque cierto hiperrealismo será imprescindible contar con un equipo humano y técnico muy amplio que, sin dudas, va a condicionar toda la producción notablemente, empezando por encarecerla mucho.

Aunque es algo individual de cada proyecto y es dificil generalizar, como tónica habitual se puede afirmar (y romper el mito) que la técnica del chroma NO abarata la producción, sino que incluso la puede encarecer. Y por supuesto la condiciona artistica, logística y técnicamente.

Así que, al igual que con cualquier otra técnica, el chroma se debe emplear inteligentemente, en su justa medida y solo cuando sea conveniente.

Por tanto antes de plantear tu videoclip integramente en chroma, averiguar si realmente es tan viable y barato como te imaginabas. Confia en los profesionales y déjate aconsejar.

CONSEJOS para iluminar un Videoclip

La fotografía es luz. Lo que hace posible que podamos captar y reproducir videos es luz. La luz es imprescindible en la creación audiovisual. Todo lo que entra por la óptica de la cámara e impresiona el sensor digital (antiguamente la película fotosensible) es luz.

Una vez el sensor ha captado esa luz, la envia al procesador en forma de información y este la convierte en una imagen entendible para el ojo humano.

Entendiendo esto, es facil argumentar que del control y de la manipulación de la luz a la hora de disparar un plano, dependerá el resultado final de nuestra fotografía.

A continuación, algunos consejos interesantes para plantear la iluminación en la creación de un videoclip musical.

ILUMINACIÓN EN ESTUDIO con 2 o 3 focos

La grabación en estudio es un recurso recurrente donde colocar al artista musical y que se defienda con algunos playbacks. Una forma sencilla y fácil de iluminar este tipo de situaciones con 2 focos, es colocando 1 foco detrás del sujeto (contra) y otro delante. Ambos focos situados ligeramente en un lateral. El foco de contra le dará relieve y brillos muy atractivos.

En el otro lateral puede colocarse un reflector, que le aporte un poco de relleno (suave) o un tercer foco con poca intensidad (ideal si se cuenta con dimmer y así regular la intensidad deseada)

ILUMINACIÓN EN INTERIOR natural

Si tenemos que grabar un espacio interior «real» y contamos con alguna ventana que deje pasar la luz natural exterior, una buena idea es aprovechar esa luz proveniente del sol. No hay mejor luz que la solar.

Podemos completar la luz solar con focos artificiales. Pero es importante que respetes la temperatura de color. La luz solar oscila entre 4.800ºK y 5.600ºK, la cual tiene una tonalidad neutra (blanca) y es llamada tambien «luz día». Por tanto, los focos que añadamos deben respetar dicha temperatura.

Si la luz que entra por la ventana es muy directa, quizas podamos sustituir (o completar) los focos por un reflector.

ILUMINACIÓN EN EXTERIOR de día

En un día soleado no hay mejor forma de iluminar que aprovechando la fuerza del propio sol. Puedes redirigir la luz solar usando reflectores. Tener el sol de contra y el reflector como luz de relleno, es una buena forma de obtener contrastes, brillos y relieves atractivos.

En un día nublado o si las condiciones lo requieres, se puede contar con poten

tes focos HMI. Estos focos emiten «luz día» y tienen una potencia suficiente como para compensar o imitar la luz natural del sol. El problema es que estos focos suelen ser caros, y además requieren el uso de grupos electrógenos (no se pueden enchufar a la red doméstica), lo que puede complicar y encarecer la producción.

ILUMINACIÓN NOCTURNA (interior o exterior)

La iluminación nocturna requiere (si o si) de iluminación artificial. Nuestro trabajo consistirá basicamente en complementar la luz artificial que ya exista en la escena, proveniente de lamparas, farolas urbanas, etc.

Podemos seguir un esquema similar a las anteriores configuraciones. Una luz de contra nos dará relieve y brillos interersantes, pero necesitarás reforzar con un poco de relleno lateral o frontal.

En cualquier caso, la iluminación nocturna tenderá a ser de 3.200ºK (luz cálida), salvo si se quiere simular la luz de la luna, que será de 5.500ºK (la luna rebota la luz del sol).

En cuanto a la luz lular, culturalmente asociamos la luz de la luna a tonos azulados (aunque en realidad es blanca). Esto lo podemos conseguir si trabajamos con iluminación de 5.500ºK pero ajustamos la cámara a 3.200ºK. Asi obtendremos ese filtro frio que invadirá todos los tonos.

Una buena iluminación requiere preparación y anticipación para poder organizarse y planificar la producción. Contar con buenos medios ayudará mucho, y la experiencia y talento se vuelven fundamentales, ya que una buena iluminación no suele ser algo casual, sino premeditado.

Videoclips a vista de pájaro (vídeo con drone)

No cabe duda que la tecnología drone ha venido para quedarse. Estos aparatos voladores han irrumpido en varios sectores, como la agricultura, ingenierias, transporte… y como no, el sector audiovisual.

Esta revolución viene dada, en gran parte, gracias al aporte de la marca DJI, creadora de su milagrosa serie Phantom.

Y pese que a DJI le han salido muchos competidores, la serie Phantom y la serie Inspire (para los más pudientes) siguen siendo modelos ideales para la grabación estandar de vídeo aéreo.

El mundo del videoclip no es ajeno a esta revolución, y cada vez más son los videos que incorporan, como recurso, la captación aérea de secuencias. Y es que, por lo general, nos gusta mucho observar la cotidianeidad desde un punto de vista diferente o perspectiva nueva. Filmar las cosas desde arriba nos puede aportar espectacularidad, frescura y ritmo.

La primera cosa importante a tener en cuenta a la hora de ponernos a volar es la legislación de cada pais. En España ( y practicamente en toda Europa) la normativa es muy clara, y está regulada por AESA (agencia estatal de seguridad aerea) .

Para poder volar profesionalmente un drone como el Phantom III, es necesario ser piloto autorizado. Necesitaremos la siguiente documentación:

– Certificado Médico

– Certificado teórico de piloto

– Certificado práctico de piloto

– Seguro obligatorio (para el drone)

– Autorización como operadora

– Chapa identificativa en el drone

Una vez tengamos todos estos requisitos y nos lancemos a volar con nuestra aeronave, tendremos que vigilar las siguientes limitaciones normativas:

Está prohibido sobrevolar zonas urbanas
Está prohibido sobrevolar aglomeraciones de personas
Está prohibido sobrevolar zonas de tráfico aéreo (especialmente cerca de aeropuertos)
Altura máxima 120 metros
Distancia máxima 500 metros (se podria enviar a más de 500 metros si nos concedieran un NOTAM, pero es algo bastante improbable)

Tampoco se pueden sobrevolar parques naturales o zonas protegidas.

Aunque es cierto que las limitaciones legales son muy notables, con un empleo inteligente y eficaz del drone, se pueden obtener unos planos espectaculares con estas máquinas.

En particular, los drones de la serie Phantom ofrecen calidad a un precio razonable. Hablamos de una aeronáve profesional, de uso facil. Facil, porque los automatismos y ayudas de la máquina hacen que volar con ella sea casi un juego de niños. No obstante, no hay que confiarse y la manipulación de estos drones tiene que hacerse con responsabiliad, conocimiento y experiencia, para evitar accidentes (todos recordamos aquel concierto de Enrique Iglesias…)

La calidad de imagen que nos ofrece el Phantom es muy digna. Quizás es algo limitada para su uso en cine, no tanto por la resolución (hay modelos en 2.7 y en 4k) sino por su rango dinámico y la compresión. Pero no se puede pedir más a una máquina que ronda los 1.000 euros, pesa 1.3 kg, vuela y además graba vídeo profesional, ideal para videoclips y proyectos (no tan) low cost.

Así que, no te cortes y deja volar tu imaginación, y rueda tu videoclip con un drone.

Eso sí, como siempre confía en los profesionales del sector. No solo te evitarás problemas legales (y una tediosa multa de AESA), sino que contarás con la experiencia y oficio suficientes para exprimir al máximo estos juguetes, que tanto nos gustan.

Abróchense los cinturones que despegamos…

TOP las 5 mejores cámaras para rodar un Video musical

La tecnología audiovisual progresa exponencialmente y casi cada año aparecen en el mercado nuevas máquinas profesionales (y domésticas) dispuestas a revolucionar el sector del vídeo.

Nada o poco tienen que ver las cámaras que se usaban en los inicios del cine, respecto a las modernas cámaras de la actualidad.

El gran salto se realizó recién inaugurado el tercer milenio, cuando la grabación de cine analógico se convirtió en cine digital. A partir de entonces, la calidad, resolución y sensibilidad de las cámaras digitales a llegado a unos niveles inimaginables en el siglo XX.

En la actualidad todo el proceso audiovisual es completamente digital. Tanto la grabación, como el editaje, así como la proyección (en salas de cine) se realiza en digital.

En el mundo videoclip las posibilidades y necesidades, en lo que se refiere a cámaras, son basicamente las mismas que en el cine u en otros formatos, pero si existen algunas particularidades.

A continuación, las 5 mejores cámaras para la grabación de videoclips musicales:

1º CINE BLACKMAGIC

Después de amasar una amplia experiencia en la creación de software de post-producción de cine, BlackMagic se lanzó a la piscina y creó la impresionante, extraña, revolucionaria, delicada y eficaz Cine BlackMagic.

Temida por muchos por su dificil manejo, Cine Black Magic destaca por su buenísimo sensor (de 16mm) y su rango dinámico de 13 stops. Algunos las consideran un magnífico sensor metido en una «puñetera» caja. Y es que la Black Magic es una cámara minimalista sin practicamente funciones automáticas ni presets, ni ayudas pretederminadas. Es una cámara simple en su uso, que requiere habilidad y profesionalidad para su operador.

Pero si eres habil con la cámara y saber manejar la luz, con la Cine Black Magic podrás captar impresionantes y sensibles imágenes ideales para videoclips musicales, cine independientes, documentales de autor o proyectos low cost (el cuerpo solo cuesta menos de 2.000 euros)

PROS: Un sensor de primer nivel. Excelente relación calidad-precio.

CONTRA: No graba slowmotion; y tiene un factor de recorte de 2.4x

2º RED SCARLET

Red One fue la primera cámara de CINE del mercado (que grababa «vídeo» digital en 4k, 13 stops de rango dinámico y una compresion 4:4:4 óptima para proyectos cinematográficos. Y han sido varios los modelos que le han seguido. Entre ellos la versatil RED SCARLET.

Scarlet es una cámara de CINE (en mayúsculas) de gran calidad. Con esta cámara se han grabado multitud de peliculas de primer nivel, y si tienes la suerte de tenerla entre tus manos, entenderás la diferencia de trabajar con una cámara de la familia RED.

PROS: Calidad CINE. Alta sensibilidad. Colores impecables.

CONTRA: Solo para presupuestos pudientes (es cara). Es una cámara pesada y necesita accesorios y soportes robustos.

3º CANON 5D

Sin dudas, Canon revolucionó el mercado audiovisual con su Canon 5d mark II. Le seguieron la Canon 7D, la 60D, 80D, la mark III, mark IV, etc. y la competencia (especialmente nikon) no tardó en imitar el efecto Canon.

Pero Canon se situó indiscutiblemente como lider (y sigue) en la grabación de vídeo de alta calidad con cámaras DSLR (Digital Single lens reflex) e inauguró la posibilidad a los filmmaker con poco presupuesto de captar imágenes espectaculares con un toque cinematográfico con una cámara que cabe en la palma de la mano.

PROS: Buena calidad con un precio asequible.

CONTRA: Su tamaño y limitaciones naturales, exige el empleo de accesorios complementarios. No deja de ser una cámara de fotos.

4º BLACKMAGIC URSA

De vuelta con Black Magic, esta vez nos quedamos con la URSA, una versión más potente, que permite (entre otras cosas) grabar slowmotion en 4k. Es una cámara mucho más robusta y manejable que la Cine BlackMagic. El sensor se mantiene en estándares altos y sigue en la linea de la marca.

PROS: Cámara de CINE de altas prestaciones a precios más asequibles (que las RED)

CONTRA: Demasiado pesada y grande en comparación con la CINE Blackmagic.

5º CANON C100

Canon intentó continuar con el éxito de su Canon 5D, creando esta vez una videocámara destinada (solo) a vídeo/cine (sin fotos) y prestaciones especiales para estos usos. Pero fracasa estrepitosamente en el intento y pierde la versatilidad, agilidad y accesibilidad (lowcost) de las 5D, para quedarse con una cámara pesada, cara, lenta, y con textura de vídeo camcorder que nos recuerdan más a las viejas Sony Z1 o Panasonic P2, que no a las modernas cámaras de cine digital.

PROS: Opción facil para videomakers industriales .

CONTRA: Calidad Vídeo (no cine). Baja relación calidad-precio.

En cualquier caso, mucho más importante que contar con una cámara u otra, es contar con un equipo de profesionales (director de fotográfia, operador de cámara, director, etc.) que sepan sacarle el mejor partido a cáda máquina y cada situación.

Confia en los profesionales que conocen sus herramientas de trabajo y se preocupan por estar al día en cuanto a novedades tecnológicas se refiere.

5 claves para EDITAR facilmente un videoclip

La edición o montaje es el proceso último y definitivo que vamos a trabajar, y se trata, sin dudas, de un proceso importante y decisivo para el éxito (o no) del videoclip.

Si el guión y/o el rodaje han sido un fiasco y han estado plagados de errores, va a ser dificil salvar el proyecto con una buena edición, pero, si hemos hecho los deberes y hemos defendido bien el guión y el rodaje, sería una pena echar a perder el proyecto por una edición mediocre o poco trabajada.

Así que no hay que desesperar en esta parte final del proceso. Vuelve a disfrutar de la «soledad» del montaje (después de seguramente un ajetreado, estresante y multitudinario rodaje) y demuestra que te llevas bien con el ordenador.

A continuación, algunas claves y consejos para agilizar la edición y asegurarte un resultado profesional:

1. Sincroniza todas las tomas. Si has grabado tomas del/la cantante haciendo playblack, la primera tarea que te recomiendo que hagas es colocar cada una de esas tomas en una pista diferente de tu editor, y las sincronices todas con la pista de audio final (el tema de estudio).

Yo personalemente voy colocando una a una cada toma y las sincronizo (una a una) con el audio master, ayudado con la herramienta de sincronización del premiere.

En este ejemplo, he sincronizado 14 tomas diferentes con el audio master, colocando cada una en su correspondiente pista. Las tomas de las pistas 10 y 13 no son de toda la canción y solo abarcar una fracción de la misma.

Es hora de darle al play, a la cuchilla, al pause, a suprimir, etc. Poco a poco irás editando por corte las pistas sincronizadas. Al final, el resultado de este proceso podria ser algo así:

Ahora ya tienes una buena base para trabajar. Después ya podrás ir añadiendo poco a poco todas las otras tomas que no son sincronizables con el audio (como los recursos, acciones dramáticas, etc).

2. El ritmo es esencial. En cualquier tipo de video el ritmo y la métrica juegan un papel importantisimo, ¡pero en los videoclips es primordial! Cada estilo musical o cada tipo de videoclip requerirá un tipo de ritmo u otro (eso se tendrá que valorar en cada ocasión), pero sobretodo asegúrate de controlarlo en todo momento. Decide la duración de cada clip, así como cuando empieza y cuando acaba.

Observa en este caso, por ejemplo, como el corte se ajusta al cambio de ritmo (visible por la punta de pico de la onda de audio):

3. En la variedad está el gusto. Un vídeo demasiado repetitivo (donde las mismas tomas se repitan una y otra vez) será muy dificil de justificar. Si hiciste los deberes en rodaje y grabaste suficientes tomas (y variadas), aprovecha e intenta editar un videoclip ritmico y cambiante:

Si «A» es una toma de Primer Plano de tu cantante. «B» es una toma de Plano Medio, «C» es un Plano General y «D» es un plano recurso de sus manos; no hagas A-B-A-B-A-B-A-C-D. Prueba con A-B-C-A-B-D-A-C-D

No obstante, esto solo es una referencia general. Cada uno debe valorar en cada momento que es mejor para su proyecto y su edición. Cada videoclip tiene unas necesidades.

4. Organiza el proceso de tu post-producción. Normalmente estamos limitados por la potencia de nuestro ordenador (siempre hay un limite). Para no hacer sufrir nuestro ordenador, y no sufrir nosotos con él, lo mejor es optimizar el esquema de trabajo y organizar el proceso de post-producción pensando en la mayor agilización para el procesador y la memoria.

Mi consejo es el siguiente mini esquema:

1º Sincronización de pistas

2º Edición por corte (incluyendo recursos, acciones, etc)

3º Revisión y retoque de edición por corte.

4º Inserción (o creación) de Efectos Visuales (FX), y textos, logos, créditos, etc.

5º Correción de color

6º Rendering final, revisión final y export.

5. Corección de color. Si bien la correción de color es un elemento imprescindible en la post-producción audiovisual, se podría plantear que no corresponde al proceso de edición (propiamente dicho) , sino que es un proceso independiente (y posterior). Por ello en este artículo no vamos a profundizar en la correción de color (lo haremos más adelante en otro artículo). Pero si destacar que no puedes plantear hacer un video profesional y pasar por alto este proceso.
Aprender a editar no es dificil, pero para sacar el máximo partido a las herramientas y tener la agilidad de un profesional, se requiere años de experiencia. Como siempre, confia en profesionales. Ahorrarás tiempo y dinero.

¿ Donde rodar las secuencias de un videoclip ?

En este artículo vamos a descubrir algunos aspectos importantes a tener en cuenta a la hora de decidirse por una localización (o varias) para rodar el videoclip musical.

En primer lugar haremos una breve clasificación de los tipos de localizaciones más habituales que se suelen optar para la mayoria de videoclips:

Exteriores naturales (bosques, playas, campos, naturaleza en general…)
Exteriores urbanos (ciudades, pueblos, urbanizaciones, polígonos, etc)
Interiores naturales (casas, oficinas, hoteles, apartamentos, espacios industriales, etc)
Plató / estudio (espacios profesionales diáfanos y versátiles adaptados para rodajes)

Y otros lugares dificiles de etiquetar, como por ejemplo una embarcación, el interior de un coche, un parque temático, etc.

En general la elección de una localización u otra se debe plantear en el guión (es parte de la apuesta narrativa o conceptual) y estará supeditado sobretodo a las necesidades creativas, al perfil artístico del grupo/cantante y a limitaciones presupuestarias.

Conocer el entorno natural, la arquitectura del lugar, los espacios recónditos y en general el perfil y atmósfera de un lugar, es algo indispensable para terminar de darle forma al guión y establecer la/las localizacion/es.

Pero cada espacio tiene sus condiciones, limitaciones y especificaciones. Hablemos de ello un poco:

Exteriores naturales: El rodaje en exteriores naturales es una opción visual relativamente fácil, atractiva y con muchas ventajas. Pero tambien con algunos inconvenientes. En primer lugar hay que identificar si tenemos autorización para rodar. Si se trata de un parque natural o protegido, seguramente tendrás que pedir permiso a la entidad correspondiente, y seguramente te harán pagar unas tasas (que suelen ser caras). Además, estarás limitado en uso (horarios, espacios, posibilidades técnicas, etc. ). Ten en cuenta que practicamente no existen espacios «libres», y todo rincón de España pertenece a un propietario privado o público. Sea uno u otro, infórmate antes para evitarte multas o situaciones incómodas. En exteriores naturales debes prestar especial atención a la meterología y a las horas de luz. Lo bueno es que puedes prescindir de focos y trabajar con reflectores (el sol es el mejor foco que puedes imaginar).

Exteriores urbanos: La arquitectura de un espacio urbano nos puede servir de plató a medida. Es más accesible que rodar en el campo y tendrás servicios a tu alcance (bares, lugares para refugiarse o prepararse, tiendas, etc). Pero tambien hay que informarse para contar con el permiso adecuado. En Barcelona, por ejemplo, hay unas tasas para rodajes (que son bastante caras), pero hay un modelo de permiso de rodaje gratuito siempre que el rodaje se haga con unas limitaciones: 1 cámara y trípode, 9 personas de equipo, y tienes que rodar en la acera sin molestar los viandantes. Cada localidad tiene su normativa. Ten en cuenta que hay algunos edificios que poseen derechos de imagen y en caso de mostrarlos en tu videoclip te expones a tener que pagar por el uso de esa imagen. Las personas tambien tienen derechos de imagen (que podrán ejercer o no). Si vas grabar «figurantes» involuntarios asegúrate que no se les reconozca, o consigue que te firmen una cesión de derechos de imagen.

Si optamos por uso de iluminación en exteriores nos obligará a contar con un grupo electrógeno, o contar con focos que funcionen con bateria. Además, tendrán que ser focos realmente potentes (para el día) para compensar la luz natural.

Interiores naturales: Cuando grabamos en interiores tendremos una atmósfera más controlabe e íntima. La iluminación se convertirá en nuestro principal preocupación y seguramente tendrás que trabajar con un buen equipo de focos para recrear la luz que te interesa. Para rodar en interiores tendremos que pagar el alquiler correspondiente para usar ese espacio por las horas o días que necesitemos, lo que es algo muy importante a la hora de presupuestar el videoclip.

Plató/estudio: Sin dudas una opción muy profesional. Contaremos con todas las facilidades para cubrir los aspectos técnicos y logisticos de cualquier rodaje. El problema es que los platós suelen tener una tarifa horaria alta, y que estaremos limitados a unos fondos o backgrounds muy concretos, que habitualmente suelen ser cicloramas en blanco, negro o chroma (verde). La opción de recrear decorados es muy interesante, pero encarecerá notablemente la producción. La iluminación es indispensable, ya que tendrás que elaborar la iluminación ambiental por completo.

En resumen, escoge el espacio que se adecue a tus necesidades creativas, logísticas y económicas. Todo tiene su precio, pero tu videoclip lo merece.

7 claves para hacer un buen guión de videoclip

Un buen videoclip necesita un buen guión. Es la base fundamental de cualquier obra audiovisual y en gran medida es el culpable de que finalmente la pieza tenga éxito (o no).

En términos generales, la escritura de un guión para videoclip es muy parecida a la de cualquier otro formato audiovisual (cine, publicidad, etc.), pero en un análisis más detallado si observamos algunas pautas concretas que convierte el lenguaje de los videoclips en un lenguaje único y especial.

Aquí van algunas claves para entender mejor como funciona un videoclip y desarrollar un buen guión.

1. ESCUCHA EL TEMA MUSICAL 1.000 VECES. Empápate del tema hasta que sueñes con él. Escúchalo en bucle una y otra vez. Analiza la letra (si la tiene), su estructura, los climax, subidas y bajadas… y sobretodo, déjate llevar por lo que te transmite. La música es mucho más que melodía, armonia y ritmo. La música sobretodo es sentimiento. Y si vas a hacer un videoclip para esa pieza, es imprescindible que te dejes llevar por el «feeling» de sus notas.

2. CONOCE AL ARTISTA Y SU TRAYECTORIA. No hay que olvidar que un videoclip es una herramienta de marketing, y como tal, tiene que ir acorde con el proyecto global del artista. Manten reuniones con el artista (o grupo) para conocerlo mejor, pregúntale por sus inquietudes, sueños, proyectos… aprende quien és, de donde viene y adonde vá. De esta forma podrás desarrollar un guión personalizado y coherente con su carrera (pasada y futura).

3. ¿ VIDEOCLIP NARRATIVO O CONCEPTUAL ?. En términos generales, podriamos definir que hay videoclips narrativos, hay videoclips conceptuales, y hay videoclips que engloban ambos tipos.

Un videoclip narrativo es aquel que cuenta una historia (una narración). Como si de una pequeña película se tratase. Suele haber pesonajes. Tambien suele haber un planteamiento, un desarrollo y un desenlace (o como mínimo dos de estos elementos). Aquí un ejemplo de videoclip narrativo:

Un videoclip conceptual no desarrolla una historia, y sería muy cercano al video arte. Nos puede mostrar situaciones abstractas (conceptuales) que no desarrollan una narración, sino que sugieren emociones, estados de ánimo o sensaciones.

Un ejemplo de videoclip conceptual:

El tercer tipo es el que engloba los dos otros tipos, o se queda a medio camino.

Escoge que tipo de videoclip te gustaría realizar, y a por ello!

4. ¿Y que pasa con los PLAYBACKS? En la mayoria de videoclips (el 99%) se usa el recurso de mostrar el/la cantante cantando su tema a cámara. A esto lo llamamos PLAYBACK, y puede situarse o bien en localizaciones integradas con el resto del video, o bien en una localización predeterminada diferente y exclusiva para la secuencia de playbacks. Sea como sea, el uso de PLAYBACKS es muy recurrente y se emplea tanto en videoclips narrativos como conceptuales.

Puede darse el caso de que el videoclip este creado únicamente por PLAYBACKS (en una o varias localizaciones) y que vayan acompañados de coreografía (Los playbacks pueden ir acompañados (o no) de alguna coreografía). En este caso lo etiquetariamos como un videoclip conceptual.

5. ¿QUE QUIERES TRANSMITIR? BUSCA UN OBJETIVO. Una clave importante a la hora de trabajar un buen guión es la de focalizarse en un objetivo emocional y definir que es lo que queremos contar o transmitir con este video. Una vez hayas decidido la intención y el objetivo, somete cada idea que te venga a la cabeza. Si la idea en proceso no encaja con el objetivo quizas deberias revisar la idea y modificarla o desecharla.

6. MENOS ES MÁS. No intentes ser retorcido y complicarte demasiado la existencia con un guión complicado y con demasiados elementos. Además de complicarte la producción (ya hablaremos de ello más adelante), caes en el riesgo de perderte y perder al futuro espectador. Una historia (o un concepto) no será más atractivo porque incluya más ingredientes, sino porque sea coherente, ingenioso/original, honesto, profundo y transmita emociones. Si necesitas añadir muchas mas escenas, personajes, situaciones y acciones para que tu guión coja sentido, quizás es porque la idea inicial no se aguanta por si sola (y te ves obligado a meter «parches»).

Si por la naturaleza del proyecto tu guion debe ser barroco y cargado, te recomiendo que intentes estructurarlo y agrupar las situaciones al máximo (simplifica) Encuentra el hilo conductor y amarra tus escenas a él todo lo que puedas.

Recuerda: lo sencillo puede ser muy bello.

7. CONFIA EN PROFESIONALES. Todos podemos tener buenas ideas, pero escribir un guión necesita más elementos que solo una buena idea. Hay que estar muy sensibilizado con el lenguaje audiovisal, conocer las técnicas y medios, así como tener cierta experiencia para «traducir» la idea en algo coherente, realizable y entendible. Delega en los profesionales del sector. Confía en la experiencia y talento de los que dedican su vida a este trabajo tan apasionante.

5 puntos importantes para escoger una productora de videoclips

Solo en Barcelona podemos encontrar decenas de productoras o creadores independientes, capaces de crear ese videoclip musical tan necesario hoy en día para los grupos o artistas musicales.

En España son centenares las productoras que se dedican completa o parcialmente a la creación de videos musicales. Algunas son muy conocidas y otras no; algunas son baratas y otras caras; algunas son muy innovadoras y otras más convencionales….; pero, que detalles hay que tener en cuenta a la hora de escoger una productora audiovisual con la que trabajar?

Cada grupo o artista musical tiene unas posibilidades económicas diferentes, pero en la medida de lo posible de cada uno, el desembolso en un videoclip es algo serio. Así que es interesante tener varios aspectos en cuenta antes de hacer esta gran inversión.

Aquí destacamos 5 puntos importantes a tener en cuenta para escojer una productora de videoclips:

1º EL PRECIO. Lejos quedan aquellos días donde las discográficas invertian en los artistas e incluso pagaban un hermoso videoclip. Ahora mismo, salvo algunos afortunados, la mayoria de los músicos mortales tienen que autofinanciarse el video musical . Y claro, cada euro cuenta, y mucho. En España podemos encontrar un rango de precios muy variable y a gusto del consumidor.

Solo basta pedir algunos presupuestos, y veremos que la orquilla puede ir desde varios miles de euros, hasta unos pocos cientos. Así que hay que saber muy bien que se contrata, antes de dar el paso.

Lo barato puede salir caro. Asi que desconfia si una productora te ofrece el oro y el moro por muy poco dinero. Seguramente la calidad de ese vídeo deje mucho que desear.

Tampoco es necesario pagar muchos miles de euros por un videoclip decente. Si bien es cierto que hay elementos que innegablemente tienen un coste (no pidais rodar una escena en una isla del caribe rodeados de modelos y cochazos de lujo por 4 duros…), el uso inteligente de los medios y la creatividad pueden amortiguar una carencia de presupuesto.

Así que, si quieres algo de calidad pero no quieres hipotecarte de por vida en ello, busca un rango de precios que oscile entre los 900 euros y los 3.000 euros. Con eso deberia bastar para un videoclip sencillo, pero de calidad profesional y apto para todos los medios.

2º LA EXPERIENCIA. Apuesta por profesionales con experiencia y que tengan varios (o muchos) trabajos a sus espaldas. Asegúrate de que en su web esten disponibles algunos videos para su visionado y, si es posible, infórmate de quienes son y que hacen, antes de contratarles. Puedes investigar en la web, en sus redes sociales, blog, etc. Quizás preguntando un poco descubres que algun amigo tuyo ha tenido alguna experiencia con esa productora.

No te dejes engañar por una web bonita o un poco de marketing barato. Trabaja con gente que sabe lo que hace, que disfruta de su trabajo y que respeta el sector.

Observa los trabajos anteriores de la productora y hazte una idea de su calidad profesional. Aprende a diferenciar entre un video de buena calidad y uno más flojo… Infórmate, cultívate y hazte entendedor de la cultura audiovisual.

3º EL FEELING PERSONAL. Detrás de la creación de un videoclip hay personas de carne y hueso. Son profesionales con su personalidad, sus ambiciones, sus manias y sus gustos y disgustos. Es una decisión muy personal, pero asegúrate de que la persona que te va a hacer el videoclip te transmite cosas buenas. Que te caiga bien, que sea de trato fácil, que os entendais y sobretodo que te inspire confianza.

4º EL ESTILO. Si bien una productora seria y profesional podrá adaptarse a casi cualquier estilo o género audiovisual/musical, trata de trabajar con una productora que tenga algun trabajo que esté en la linea de lo que buscas.

5º LA TRANSPARENCIA. Como en cualquier faceta de la vida, relaciónate con personas y profesionales que sean transparentes en sus acciones. Que sean capaces de explicarte el porqué de cada decisión y que no escondan ningún detalle, ya sea logistico, económico o creativo. El cliente tiene derecho a saber, y la productora tiene la obligación de justificar todas las decisiones.

Confía, delega, pero exige cuando lo consideres necesario.

Y en cualquier caso haz caso de tu instinto. Confía en los profesionales y disfruta de todo el proceso. Es tu videoclip. Es tu carrera musical.

Detrás de las cámaras. Reportaje sobre MusicVideos by Manuel Mira

Nos encontramos indudablemente en la era de la imagen. Youtube cumple más de 10 años, y suma decenas de millones de videos. La televisión convencional ha dejado de ser la protagonista, y el famoso portal de internet consigue ser el centro de atención para el visionado de videoclips. Desde los artista más conocidos hasta los emergentes o menos populares, en youtube se albergan millones de videoclips musicales, y se suben miles más diariamente.

Pero en esta vorágine audiovisual no es fácil hacerse un hueco como creador de videoclips.

Desde MusicVideos by Manuel Mira luchamos para hacer nuestro sueño realidad, y sobretodo para hacer realidad el sueño de decenas de artistas musicales que ya han contado con nosotros para la creación de su videoclip.

Son muchos los factores que un grupo musical o un cantautor debe tener en cuenta a la hora de escoger una productora u otra. Pero el «feeling» o la empatía que sienten mutuamente es un elemento imprescindible para que el proyecto fluya y el videoclip resultante tenga alma y, sobretodo, que guste a la gente.

Os dejamos con un sencillo pero ameno reportaje sobre nuestro trabajo. Espero que os guste:

Categoría: Uncategorized